El almohadón de plumas – Horacio Quiroga

Reseña literaria del inolvidable cuento El almohadón de plumas, uno de los más destacados de la literatura Latinoamericana

El almohadón de plumas

El almohadón de plumas es un cuento del escritor uruguayo Horacio Quiroga, que fue publicado dentro del libro Cuentos de amor de locura y de muerte en el año 1917. Este libro, en el que la muerte juega un papel esencial dentro de los relatos, es considerado una obra magnífica en la cultura literaria, y este cuento en particular, una obra maestra.

«… Alicia no se reponía nunca. Al fin una tarde pudo salir al jardín apoyada en el brazo de él. Miraba indiferente a uno y otro lado. De pronto Jordán, con honda ternura, le pasó la mano por la cabeza, y Alicia rompió en seguida en sollozos».

Es probable que El almohadón de plumas haya significado en muchos de nosotros un antes y un después, sobre todo a la hora de dormir. Y es que es imposible que luego de haberlo leído, no echemos un vistazo subrepticio a nuestra almohada, como intentando encontrar algo que pueda hacernos daño, que nos consuma mientras dormimos. Precisamente eso es lo que logran los cuentos de este libro, el mantenernos alerta.

Cuentos de amor de locura y de muerte (así sin coma como él solía escribirlo) es un gran libro, pero si debo elegir dos de sus cuentos creo que mis preferidos son este y «La gallina degollada».

Resumen del cuento El almohadón de plumas y breve análisis

Los personajes que construyen la historia son cuatro. Alicia y Jordan se encuentran recién casados. Cierto día Alicia comienza a debilitarse, al punto de no poder levantarse de la cama para hacer sus tareas habituales. Un médico acude a verla y al no saber cuál es la patología que la aqueja decide aconsejarle reposo, algo que termina agravando su cuadro. La joven, cada vez peor, termina perdiendo la vida. Cuando la sirvienta limpia la habitación descubre una terrible realidad, una criatura, una especie de parásito, ha estado consumiendo la sangre de Alicia mientras dormía.

La dicotomía entre la realidad y la fantasía se hace muy visible en este cuento, y es parte, en cierta forma, del modernismo en la literatura aplicado por Quiroga. La idealización del amor, y su opuesto en la depresión de Alicia al comprobar que su matrimonio no era como lo había imaginado contribuyen a crear el ambiente propicio para el el parásito haga su aparición.

Las profundas descripciones que acompañan el relato, sobre todo en cuanto a la casa, o a la relación de la pareja, iniciada por la frase «Su luna de miel fue un largo escalofrío» nos predispone a un relato que se aleja de la realidad para llevarnos hacia la oscuridad, como solía hacerlo Quiroga con gran maestría.

Algunos lectores han podido comparar la estructura de los cuentos de Quiroga con el fantástico Edgar Allan Poe, y su manera de guardar para el final un elemento crucial. En esta obra no sólo da lugar al parásito sino que, como si se tratara de un hecho científico, asegura que estas criaturas suelen alimentarse de la sangre de sus víctimas creciendo hasta tamaños inauditos. Ciertamente nadie podría dormir luego de esto.

Sin duda una obra magnífica del autor uruguayo y un relato para leer una y mil veces.

 

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Manuscrito hallado en una botella – Edgar Allan Poe

Reseña literaria del cuento Manuscrito hallado en una botella del fantástico escritor Edgar Allan Poe

Manuscrito hallado en una botella - Edgar Allan Poe

Manuscrito hallado en una botella es un cuento de terror que fue escrito por Edgar Allan Poe y publicado en un periódico titulado Baltimore Saturday Visiter a mediados de octubre de 1833 si bien en la actualidad suele encontrarse junto a otros relatos como Los crímenes de la calle Morgue.

Según cuenta la historia, Manuscrito hallado en una botella fue uno de los primeros relatos que el autor escribió, con tan sólo 24 años, parte de un concurso literario donde el autor logró la suma de 50 dólares por su escrito.

Es un relato que llama la atención por la forma en la que el autor logró situarse en un contexto muy distinto al suyo, plasmando la historia de fantasía y surrealismo, alejándose un poco de sus obras clásicas como El gato negro, o El corazón delator, pero sin perder esa dosis de misterio capaz de erizar la piel. En algún punto, el lector puede hallar alguna semejanza ha los cuentos de literatura fantástica de Julio Cortázar, donde predomina lo onírico y la imaginación crea una especie de niebla que lo envuelve todo.

Resumen de Manuscrito hallado en una botella

Un joven de gran inteligencia y prolifera educación (quizás una reseña al propio Poe) decide embarcarse en un buque mercante en las cercanías de la Isla de Java. Luego de una tormenta inclemente la mayoría de los marinos son llevados por el mar y sólo dos personas logran salvarse, el joven y un viejo de origen sueco que había logrado abordar en el último instante.

Luego de cinco días de haberse alimentado sólo de azucar, y cuando solo restaba un pequeño fragmento del barco por hundirse, son embestidos por un extraño barco de mucho mayor tamaño y el muchacho logra salvarse al abordar el navío y mezclarse con la tripulación, que resultará ser igual de rara que su transporte.

«todos mostraban señales de una avanzada edad. Sus rodillas achacosas temblaban, sus hombros se doblaban de decrepitud, su piel arrugada temblaba bajo el viento; hablaban con voces bajas, trémulas, quebradas; en sus ojos brillaba el humor de la vejez y sus grises cabellos se agitaban terriblemente en la tempestad».

Los tripulantes parecen ser entes fantasmagóricos y tener cada uno de ellos una historia particular y rara. El destino lo alcanza al final, cuando de todas formas el barco se hunde en el profundo océano, llevando a la vejez con ellos.

Breve análisis

Manuscrito hallado en una botella es uno de los mejores cuentos de Poe, caracterizado por lo fantástico y lo misterioso, y no tanto por lo tenebroso. Es cierto que ya había esbozado el tema de los marinos en otras de sus obras, como La narración de Arthur Gordon Pym en el año 1838, pero la realidad es que difiere con la mayor parte de su trabajo, sobre todo en la trama del relato.

Algunos intentos de comprensión de la obra han arrojado una posible relación hacia la relación de la vida y la muerte, la pena y la melancolía, la vejez. Una alegoría hacia la posibilidad de que la muerte siempre nos alcanza, no importa que.

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Las puertas del cielo de Julio Cortázar

Reseña literaria del relato corto titulado Las puertas del cielo de Julio Cortázar, parte de su genial obra Bestiario

Las puertas del cielo de Julio Cortázar es un relato corto del autor que fue publicado en el año 1951 dentro de su inolvidable obra Bestiario, a la que ya nos hemos referido por ser cuna de sblimes escritos como Casa tomada, Bestiario (cuento homónimo) o Cefalea donde podemos apreciar la aparición de las mancuspias.

La muerte es un contenido recurrente en toda la obra de Bestiario, apareciendo en cada una de las historias. En esta, el temprano fallecimiento de Celina a causa de la tuberculosis (mención especial a una enfermedad que maltrataba la sociedad de la época), da inicio a la serie de eventos del cuento, en un paso desde lo material hasta lo etéreo.

Las puertas del cielo es un cuento de tipo fantástico de Cortázar que presenta algunas diferencias con los demás. En primer lugar recibe el aporte mágico o sobrenatural en el final del relato, intentando darle un cierre o una explicación a la historia que se relaciona con su título. Un detalle muy particular es que el autor emite una fuerte opinión social, en contra posiblemente de los movimientos sociales relacionados al peronismo (partido político y movimiento ideológico y sociocultural argentino) que no es común para un cuento de tipo fantástico, si bien algunos análisis de Casa tomada muestran referencias al respecto.

Se han realizado numerosos análisis de textos literarios de autores de la época que mostraban aprecio o aversión al movimiento. Algunos a favor, otros en contra, con incontables calificativos, muchos de ellos denigrantes y descalificatorios, pero difíciles de analizar sin poder situarlos en el contexto del año en el que fueron escritos. Muchos de ellos serían, hoy en día, motivo de fuertes críticas sociales, ya que tal pensamiento, iría contra todos los estándares actuales.

Para Cortázar, así como para Jorge Luis Borges o Adolfo Bioy Casares, el peronismo constituía un ente maligno digno de representar en sus escritos, y la mayoría de los artículos que pude revistar para elaborar la nota así lo han interpretado. Queda, de todas formas, abierta a su interpretación personal para poder sumar y construir a la cultura.

Resumen de Las puertas del Cielo de Julio Cortázar

Las puertas del cielo inicia con el fallecimiento de Celina, a causa de un agravamiento de su enfermedad manifestándose a través de tos con sangre (tuberculosis). La mujer, de alguna manera, representa lo que Marcelo detesta. Proveniente de un nivel socioeconómico muy bajo y de la vida nocturna, del sexo y los vicios, buscando su cielo, sin poder encontrarlo en ese ambiente.

Mauro era su pareja, y queda devastado por la pérdida. Avisado por José María, Marcelo concurre a saludar a su «amigo». Diferentes descripciones nos trasladan al velorio de Celina, así como también a recuerdos de cuando realizaban actividades juntos y el tipo de relación que mantenían, dejándonos intuir el estado de amor-odio hacia la pareja, y de desprecio del autor hacia el contexto sociocultural que se abría paso en las calles de Buenos Aires de la época.

El tiempo transcurre, y ambos concurren a una milonga, un sitio que muestra de alguna manera el paso de la civilización a la barbarie, en el ambiente donde fue rescatada Celina cuando su profesión era la de una prostituta. Mauro intenta, de alguna manera, olvidarla buscando otra mujer.

Cuando ya han pasado un par de copas, algo los distrae. Entre el humo y el tango, Celina se encuentra bailando junto a las parejas, apretadas, sin estar ahí pero sin haberse marchado nunca, había vuelto a su lugar, había encontrado su cielo.

Breve Análisis:

Existen tres personajes principales. El primero es Marcelo Hardoy, un abogado (el doctor) de clase social alta, que es amigo de la pareja. Su ideología se orienta en contra del movimiento popular que representa el peronismo (sin hacerlo explícito con esta palabra). Mauro y Celina son una pareja de clases social baja, cuya amistad con Marcelo es ambivalente, los aborrece y los aprecia a la vez. Representan lo que el odia, y numerosos detalles de la obra dejan en claro ese sentimiento.

La pareja constituye una referencia a la clase popular que ha ingresado a Buenos Aires, y a todos sus espacios socioculturales. Marcelo es el personaje con el que podemos identificar al autor, por su intelectualidad y carisma, en contrapartida al resto de ellos que se muestran burdos y de un nivel inferior.

La presentación de esta diferencia de clases podría considerarse discriminatoria, incluso en algunas frases, xenofóbica, pero es el contexto el que da al relato su importancia. Las referencias a esto, irreproducibles sin otorgar el permiso de «fue tiempo pasado» y de saber que, de en un momento histórico existió una especie de odio entre los componentes de una esfera sociocultural y económica, un odio que periódicamente encuentra máscaras para reaparecer, o que quizás nunca se ha ido.

Más allá de esta situación social, política y cultural muy detallada en el cuento, existe un trasfondo que nos orienta hacia un análisis de la vida, de la muerte, y de la trascendencia, hacia la búsqueda de una felicidad que podría considerarse nuestro cielo. Y así, Celina, sólo en el final, logra encontrar el suyo, y bailar para siempre.

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Un cohete muy especial – Oscar Wilde

Reseña literaria de la obra Un cohete muy especial del célebre escritor Oscar Wilde

Un cohete muy especial Oscar Wilde

Un cohete muy especial es un cuento corto escrito por Oscar Wilde y publicado por primera vez en el año 1888, dentro de una obra gran obra titulada El príncipe feliz y otros cuentos, en donde podemos encontrar otros cuentos como El ruiseñor y la rosa, o El gigante egoísta.

Un cohete muy especial (o El famoso cohete según las traducciones) es un relato que funciona como una parodia de la vanidad social de la época y, además, de la vanidad masculina aristocrática y la vanidad masculina. Si bien el lenguaje que se utiliza en el cuento es sencillo, el humor de Wilde dista de serlo, y en realidad es un cuento que puede estar más dirigido a los adultos, así como muchas de sus interpretaciones.

Resumen de Un cohete muy especial de Oscar Wilde

Esta obra cuenta la historia de un príncipe y una princesa que se enamoran con locura, y, para su boda, organizan un espectáculo de fuegos artificiales ya que ella jamás los ha visto. La particularidad sucede con la personalización de dichos fuegos que nos demuestran la capacidad de hablar.

Uno de ellos es un cohete, que demuestra extrema arrogancia, hostilidad hacia los demás, y no deja de jactarse de su herencia, así como de remarcar el hecho de que es mejor que los demás. Durante la discusión es llamado insensible, y al intentar comprobar lo contrario, logra soltar unas lágrimas, lo que que al humedecerlo le quita su posibilidad de explotar, por lo que es descartado.

Sin saber exactamente la realidad de su situación, discute con una, un pato y una libélula, sin ningún atisbo de humildad, asegurando que, cuando pueda explotar, será lo más impresionante que nadie haya visto. Es encontrado por dos jóvenes que, creyendo que es inservible, lo arrojan al fuego. Cuando por fin estalla, al secarse, se desvanece en polvo de estrellas y alcanza su final pensando que su espectáculo ha sido un éxito.

Valoración y análisis:

Este relato inicia como un cuento de hadas clásico pero el autor no tarda en mostrar un contraste cínico con la vida de la alta sociedad de la época, cuya frivolidad y exaltación de las apariencias era la regla. y si de exaltación hablamos, quizás sea la del amor la más manifiesta, probablemente por la época, expuesta en muchas obras del estilo.

El cohete considera que, debido a su herencia, es mejor que el resto, y esto resulta en una clara crítica a la aristocracia de la época. Sin embargo, no puedo dejar de pensar si no existen paralelismos en la actualidad.

El cuento recibe una cuota de lo absurdo, sobre todo al instaurarse en los fuegos artificiales la posibilidad de hablar. A pesar de que todo el cuento parece inmerso en un delirio, el cúlmen de esto está dado por el cohete, cuya arrogancia lo ha llevado a pensar que todo el mundo, incluso toda la historia, gira en torno a su existencia.

Para saber más:

Oscar Wilde era famoso por utilizar epigramas en sus relatos, y en Un cohete muy especial aparecen muchos de estos. Un ejemplo de ello podría ser «Me gusta escucharme hablar. Es uno de mis mayores placeres. A menudo tengo conversaciones largas por mí mismo, y soy tan inteligente que a veces no entiendo una sola palabra de lo que estoy diciendo».

Si están interesados en conocer más sobre esta herramienta literaria, quizás pueda interesarles la nota ¿Qué es un epigrama?.

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La carta robada – Edgar Allan Poe

Reseña literaria y resumen de La carta robada, una de las obras más conocidas de Poe

La carta robada de Edgar Allan Poe

La carta robada de Edgar Allan Poe es una de las historias más famosas del célebre escritor. Surgió a finales de 1844 en una publicación llamada «The Gift» junto a otros relatos del autor como La caja Oblonga y constituye la última aparición del carismático investigador Auguste Dupin.

La carta robada es un relato de tipo policial, de suspenso, en el que el tanto el personaje principal como el lector deberán utilizar todo su ingenio para intentar desenmarañar el caso. Edgar Allan Poe vuelve a dar vida a Dupin luego de Los crímenes de la calle Morgue (considerado como el primer relato policial) y El misterio de Marie Roget.

Auguste Dupin es, sin duda, uno de los personajes policiales favoritos de los lectores a través de los años, junto a Sherlock Holmes de Sir Arthur Conan Doyle, que logró superar en popularidad al primero a pesar de ser posterior, y a Hércules Poirot, creado por Agatha Christie.

Resumen de La carta robada de Edgar Allan Poe

La historia se desarrolla en París, alrededor del año 1800. La policía contacta al detective Dupin y a su colaborador (el narrador del relato) para investigar la desaparición de una carta en los aposentos reales, cuyo contenido está siendo utilizado como extorsión, un misterio muy «singular», en palabras repetitivas del prefecto.

Lo más particular es que la persona que ha sustraído el documento ha sido vista e identificada, e incluso se sabe que la carta robada permanece en su poder, por cómo se han dado los acontecimientos políticos a partir del robo.

En un comienzo, el detective no pretende aceptar el pedido y sólo otorga a la policía consejos de cómo resolver el caso pero, a pesar de las búsquedas intensas, la carta no aparece. Por tal motivo, deciden ofrecer una gran suma de dinero a Dupin que, quizás más por el logro de resolver el misterio que por la suma, acepta.

El detective visita al Ministro y, tras una ágil observación, identifica la carta. Tras una distracción logra reemplazarla por una que él había copiado y se hace con el objeto, sin que el ladrón sepa que ha perdido su as bajo la manga. Con esto la carta ya no puede ser utilizada para influenciar a la realeza.

Auguste Dupin ha escrito en su reemplazo: «Un dessein si funeste – S’il n’est digne d’Atree, est digne de Thyeste.» Un plan tan funesto, si no es digno de Atreo, es digno de Tieste. En referencia a una cita de Prosper Jolyot de Crébillon (padre), escritor y dramaturgo francés, creador de la tragedia de Atreo y Tieste (en 1707).

Sin mayor dificultad devuelve la carta habiéndola encontrado en el lugar más simple posible, y resuelve así el caso ofrecido por la policía parisina.

Valoración

La carta robada es una cuento muy interesante de Edgar Allan Poe, no sólo por el suspenso y por la intriga de intentar encontrar el objeto desaparecido sino también por los mensajes ocultos que pueden encontrarse al interpretar la historia. Existen dos puntos principales de este análisis, uno es la forma en la que el detective encuentra el objeto, mirando el caso desde los ojos del ladrón, poniéndose en el sitio del otro. El otro, quizás más importante hace referencia a que a veces uno busca las cosas en los lugares más complejos, sin revisar los simples primero.

Para saber más: En la tragedia de Atreo y Tieste, Aréope, la esposa del primero, mantiene una relación con su hermano Tieste. Al enterarse, Atreo realiza un banquete en el que el plato principal son los tres hijos de Tieste. Al finalizar la comida, muestra sus cabezas provocando el horror de su hermano.

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Poldy Bird – Cuentos para leer sin rimmel

Semblanza de la vida de Poldy Bird y breve reseña de sus obras más importantes, Cuentos para leer sin rimmel y Cuentos para Verónica.

Poldy Bird nació en Paraná, provincia de Entre Rios, Argentina, el 16 de diciembre de 1941 y falleció el 1 de junio de 2018.

Poldy Bird

Las historias trágicas referidas a la vida personal de los escritores, tienen un atractivo singular para muchos de sus lectores cautivados por una paradoja. Esos autores que tanto admiran, poseedores de una creatividad y fuerza imaginativa capaz de dar vida a inefables personajes, que siempre resuelven de alguna manera sus conflictos en la trama de espléndidos cuentos y novelas, se enfrentaron en su vida real a dramáticas situaciones que los mostraron débiles y vulnerables y fueron arrastrados hacia el miedo y la desolación que frecuentemente terminó en el suicidio.

La lista de escritores que padecieron dramas con esas características es extensa, basta citar a Emilio Salgari, Virginia Woolf, Alfonsina Storni, Ernest Hemingway, Sylvia Plath, Jacques Rigaut y Ángel Ganivet entre otros. Agregamos a Poldy Bird a esta triste lista.

Poldy Bird fue una escritora argentina difícil de encuadrar en una clasificación convencional. A los 16 años ya había editado su primer cuento y a los 17 años estaba trabajando profesionalmente para distintos diarios y revistas de Buenos Aires.

En 1969 publicó un libro dedicado a su hija recién nacida, que la hizo famosa; la obra titulada Cuentos para Verónica, alcanzó un éxito editorial inusitado para esa época, llegando a la impensada cantidad de 76 ediciones.

La frase «Este es un libro que hace más hermoso al mundo» firmada por el poeta nicaragüense Ernesto Cardenal, ilustraba la contratapa.

Transcurría el invierno austral de junio de 1971, cuando sacó a la venta otra obra, Cuentos para leer sin rimmel, que repitió el éxito de ventas anterior y sumados vendieron más de tres millones y medio de ejemplares; la gente hacía filas enormes cada vez que los firmaba en ferias literarias.

En ambos libros, Poldy modeló un estilo narrando en forma de cuento y lenguaje sencillo, conmovedoras historias de vida que le ocurren a todas las personas y rápidamente ganó adeptos que se identificaban con ella.

Para aquellos que desconocen la obra y el estilo de esta escritora, Cuentos para leer sin rimmel relata una experiencia vivida por los protagonistas, un matrimonio, su hijo de alrededor de 8 años y el padre de la esposa que conviven en una misma casa.

Cuando el anciano enferma gravemente y dado el estado de embarazo avanzado que la mujer atravesaba, optan por enviar al niño a otra ciudad, para que viva un tiempo al cuidado de una tía. En el interín el abuelo muere. El cuento concluye al regresar el niño un mes después, acompañado por una prima, y advertir que su abuelo ya no está en el hogar.

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«Esta mujer que escribe cuentos que hacen llorar y pega donde duele, es una escritora de raza», declaraba Ernesto Cardenal en una entrevista para el diario El País, de Montevideo.

Con el paso del tiempo, las modas, costumbres y gustos cambiaron en el mundo y actualmente es difícil encontrar exhibidos en librerías alguno de sus libros. También la crítica especializada la ha olvidado.

El cuento que Poldy Bird nunca relató, es el de su propia vida: A los 8 años quedó huérfana de una madre que murió atropellada por un tren, en el andén de una estación ferroviaria, las ilusiones mágicas de la infancia quedaron abruptamente interrumpidas, dejando solamente recuerdos en forma de destellos. Por dolorosa coincidencia, también su abuela había muerto en un accidente automovilístico siendo la madre de Poldy una niña de 11 años.

Después de enviudar, su padre volvió de casarse y la llevó a vivir con abuelos de los que prefirió olvidarse. A los 18 años ya se había casado con Martín, padre de su hija Verónica. Antes de los 30 le diagnosticaron cáncer y la sometieron a una mastectomía. Con 36 años, lloró desconsolada al recibir la noticia del fallecimiento de su esposo, a causa de un infarto masivo que la convirtió en viuda

Y lo peor llegó el 25 de octubre de 2008 cuando un derrame cerebral se llevó también a Verónica, su única hija.

«No es verdad, no estás muerta, no hay una sola huella que indique que te has ido a ordenar las estrellas». escribió en una dedicatoria ese día fatídico.

Si había algo más que debía perder, ocurrió durante la crisis económica argentina de 2001, que la obligó a vender su casa y a cerrar una editorial, que años atrás habían logrado instalar con su marido para gestionar la venta de sus libros y de cuyos ingresos vivía.

Poldy María Delia Bird fue en definitiva una mujer que escribía porque amaba dar dimensión de poesía a cada lágrima derramada; sus libros estaban hechos de emociones puras que narraban el dolor con cruda realidad y dramatismo. Tal vez sus palabras carecieran de prestigio académico, pero abundaban en calidez humana.

Había nacido en Paraná (Entre Ríos) el 16 de diciembre de 1941, y en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, falleció el 1 de junio de 2018. Tenía 76 años de una vida de sueños perdidos, esperanzas destrozadas y tragedias que nunca le tuvieron piedad.

Otras de las obras importantes de ella fueron: El país de la infancia, Verónica crece, Mariposas encerradas en mí, Brillo de lágrimas, Cartas debajo de la almohada, Cuentos con niebla, Palabras para mi hija adolescente, Es tan largo el olvido y Morir entre tus brazos,

En 2009, la Editorial del Nuevo Extremo publicó El cuento infinito, que reunía doscientos de sus relatos. En ellos aparecen mujeres hastiadas de la vida rutinaria y que sufrían sus frustraciones en silencio, sumergidas en un mundo de perfil machista. 

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Esbozo de un sueño – Julio Cortázar

Breve análisis del relato corto Esbozo de un sueño, parte de la obra del magistral Julio Cortázar.

Esbozo de un sueño - Julio Cortázar

Esbozo de un sueño, de Julio Cortázar, es un relato breve que puede ser encontrado en el libro Historia de cronopios y de famas, una obra publicada por el autor en 1962, por la Editorial Minotauro. Es uno de los textos más recordados, quizás con Las líneas de la mano.

Resulta complejo, a veces, analizar algunos textos de Cortázar, sobre todo en relación a los sueños, método de escritura que algunas veces repite, en los que se puede encontrar un salto inapreciable entre la fantasía y la realidad, como podemos objetivar por ejemplo en textos como La noche boca arriba.

Muchos piensan que este tipo de relatos cortos surgían, en realidad, de sueños que el autor tenía, y eran adaptados por su hábil pluma para cobrar vida en el mundo literario.

Resumen de Esbozo de un sueño – Julio Cortázar

El personaje, suponiendo que es un joven ya que no menciona su nombre ni edad, siente deseos de ver a su tío, y se encamina hacia su casa, mientras la realidad parece difusa a su alrededor, con sus pies que no se logran despegar del suelo, y ladridos en las lejanías. Al llegar, sube las escaleras y llama a la puerta, haciendo referencia a una extraña mano que sujeta una bola de bronce, y que al soltarla se transforma en una araña.

Ingresan a la casa y se produce el encuentro. Surge el inconveniente que, a pesar de que desean fumar, no logran encontrar fuego. El deseo da paso a la incomodidad, y sabe que debe marcharse de ahí, dejando a su espalda la puerta cerrada, y nunca mirar atrás.

Llega a su hogar, se desviste y sueña que se encuentra junto a su novia, navegando por el río Tigre y comiendo chorizos.

Valoración y análisis del relato breve:

Queda claro que, en tan sólo unos párrafos, el autor ha sido capaz de contar una historia, que deja a su vez miles de incógnitas, sobre todo en cuanto a la realidad y a la fantasía.

En Esbozo de un sueño, Julio Cortázar hace mención a como, para huir de una realidad perturbadora, acudimos al descanso y a los sueños. Esbozo suele referirse a un diseño provisorio, montado con ideas esenciales, a la exposición de una idea, pero en cuanto a los sueños se refiere, no suele ser posible diseñarlos.

No queda claro si, luego de una situación estresante, o un mal día, el personaje acude a su cama para tranquilizarse y soñar en paz, o si este ya se encontraba en un sueño (ya que el no poder levantar los pies del suelo suele ser un elemento común en estos, o que la mano del llamador de la puerta se abra y suelte la bola de metal parece un elemento fantástico).

Quizás la esencia en Esbozo de un sueño es la mezcla de la vigilia con lo onírico, la aparición de la fantasía y quizás, la posibilidad de humanización de algunos objetos.

Para conocer más: El río Tigre es uno de los principales brazos del río Reconquista, y se encuentra en la provincia de Buenos Aires, Argentina.

Si deseas leer este relato, y muchos otros similares, puedes encontrar la fantástica obra que los nuclea en el siguiente link.

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El sabueso – un relato de H.P. Lovecraft

Reseña literaria del relato El sabueso, terrorífica historia de H.P. Lovecraft

El sabueso Lovecraft

El sabueso, en inglés The Hound, es un relato corto creado por Howard Phillips Lovecraft en el año 1922 y publicado dos años más tarde, en la revista Weird Tales, alrededor de febrero de 1924.

El sabueso es una historia importante, no sólo por su contenido de terror dentro de la creación de Lovecraft, sino porque es el sitio en donde el autor nombra por primera vez al Necronomicon o grimorio de los muertos. Cabe destacar que, dentro de la literatura del terror existe otra obra que utiliza a estos perros como base, el recordado cuento El sabueso de los Baskerville de Arthur Conan Doyle.

Resumen del relato de H.P. Lovecraft

El sabueso relata la historia de un hombre aterrorizado por los sonidos que lo torturan y desencadenan su locura. Su amigo St. John y él, aburridos y deseosos de nuevas experiencias, se han convertido en saqueadores de tumbas. Con los objetos de sus hurtos han creado un museo, con calaveras, pinturas, estatuas, y objetos extraños.

Cierto día se enteran de la existencia de una tumba especial, la de un ladrón que había robado un extraño objeto y muy poderoso. Al llegar, sienten la presencia de un sabueso que aúlla en las lejanías. Al dar con el cadáver se sorprenden al descubrir que se ha mantenido intacto, a excepción de heridas y desgarraduras que parecen hechas por un animal.

En su cuello hay un colgante de Jade, al que reconocen como uno mencionado en el antiguo Necronomicon. Toman el objeto y huyen a su casa, sintiendo que son perseguidos por el extraño perro. Su amigo es asesinado salvajemente por el animal y él piensa que el amuleto lo ha llevado hacia ellos y decide devolverlo, aunque un robo sucede y pierde el objeto, descubriendo luego que todos los asaltantes han muerto.

Vuelve a la tumba y desentierra al cadáver encontrando el amuleto nuevamente en su lugar. El horror se apodera de él, un horror del que sólo la muerte podrá salvarlo.

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Tres rosas amarillas para Antón Chéjov

Tres rosas amarillas – Un cuento de Chéjov y un libro de Carver en su homenaje

«El arte de escribir consiste en decir mucho con pocas palabras”

Tres rosas amarillasLa inmensa Rusia zarista de finales del siglo XIX, internamente convulsionada por una agitación político-social incipiente que, con el tiempo, derivaría en la Revolución de 1917, fue tomando conciencia de los cambios profundos que se avecinaban de la mano de un grupo de intelectuales liderados entre otros por León Tolstói, Fiódor Dostoyevski, Aleksandr Pushkin y un destacado Antón Chéjov. La historia comenzaba a cambiar amenazando romper las viejas estructuras de un sistema monárquico obsoleto, sostenedor de grandes desigualdades que terminaron generando una atmósfera asfixiante de consecuencias nefastas para toda la población, sin diferencias de clase o condición.

La literatura en general, incluyendo la de Chéjov, no podía quedar al margen de esa influencia negativa ni de toda esa oscuridad de ideas imperante en la época. El célebre autor de «El jardín de los cerezos» fue testigo involuntario y obligado de esos acontecimientos, pero también un observador muy crítico que encontró con lucidez e ironía la forma de transmitir en sus libros y obras teatrales un panorama certero de esos hechos; y lo hizo a través de textos llenos de sensibilidad y realismo, sin obviar un cáustico sentido del humor. Él escribía para hacerse preguntas, no para responderlas.
Por otra parte, Chéjov experto indiscutido en la descripción de matices emocionales y en el retrato psicológico de personajes, rechazaba en cierto modo la finalidad moral de las obras literarias tradicionales.

Hay un cuento referido a él muy interesante que se llama Tres rosas amarillas y da título al libro editado por el escritor y poeta estadounidense Raymond Carver (1938-1988), que lo concibió como tributo al genio ruso de las letras, narrando en una excelente reconstrucción imaginaria sus últimos días de vida. Verdadero broche de oro para esta obra de Carver, escrita a la altura del protagonista.

Tres rosas amarillas, lleva implícita una delicada invitación a leer el relato que se convierte, sin pretenderlo, en una cita ineludible para su lectura.

Tres rosas amarillas (fragmentos del cuento)

«Chejov. La noche del 22 de marzo de 1897, en Moscú, salió a cenar con su amigo y confidente Alexei Suvorin. Suvorin, editor y magnate de la prensa, era un reaccionario, un hombre hecho a sí mismo cuyo padre había sido soldado raso en Borodino. Al igual que Chejov, era nieto de un siervo. Tenían eso en común: sangre campesina en las venas. Pero tanto política como temperamentalmente se hallaban en las antípodas. Suvorin, sin embargo, era uno de los escasos íntimos de Chejov, y Chejov gustaba de su compañía.
Naturalmente, fueron al mejor restaurante de la ciudad, un antiguo palacete llamado L’Ermitage (establecimiento en el que los comensales podían tardar horas -la mitad de la noche incluso- en dar cuenta de una cena de diez platos en la que, como es de rigor, no faltaban los vinos, los licores y el café). Chejov iba, como de costumbre, impecablemente vestido: traje oscuro con chaleco. Llevaba, cómo no, sus eternos quevedos. Aquella noche tenía un aspecto muy similar al de sus fotografías de ese tiempo. Estaba relajado, jovial. Estrechó la mano del maitre, y echó una ojeada al vasto comedor. Las recargadas arañas anegaban la sala de un vivo fulgor. Elegantes hombres y mujeres ocupaban las mesas. Los camareros iban y venían sin cesar. Acababa de sentarse a la mesa, frente a Suvorin, cuando repentinamente, sin el menor aviso previo, empezó a brotarle sangre de la boca.(…)»

«Más tarde, después de una segunda hemorragia, Chejov se avino a ser trasladado a una clínica especializada en el tratamiento de la tuberculosis y afecciones respiratorias afines. Cuando Suvorin fue a visitarlo días después, Chejov se disculpó por el «escándalo» del restaurante tres noches atrás, pero siguió insistiendo en que su estado no era grave.(…)»

«También Leon Tolstoi fue una vez a visitarlo. El personal del hospital mostró un temor reverente al verse en presencia del más eximio escritor del país (¿el hombre más famoso de Rusia?) Pese a estar prohibidas las visitas de toda persona ajena al «núcleo de los allegados», ¿cómo no permitir que viera a Chejov? Las enfermeras y médicos internos, en extremo obsequiosos, hicieron pasar al barbudo anciano de aire fiero al cuarto de Chejov. Tolstoi, pese al bajo concepto que tenía del Chejov autor de teatro («¿Adónde le llevan sus personajes? -le preguntó a Chejov en cierta ocasión-. Del diván al trastero, y del trastero al diván»), apreciaba sus narraciones cortas. Además -y tan sencillo como eso-, lo amaba como persona. Había dicho a Gorki: «Qué bello, qué espléndido ser humano. Humilde y apacible como una jovencita. Incluso anda como una jovencita. Es sencillamente maravilloso.(…)»

«Sostenía entre las manos un jarrón de porcelana con tres rosas amarillas de largo tallo. Le ofreció las flores a Olga con un airoso y marcial taconazo…(…)»

Tres rosas amarillas de Raymond CarverCarver fue un autor que no se ajustó a una estructura convencional para narrar en cuentos las historias de vida. Acostumbraba iniciar y concluir sus relatos de una manera imprevisible y escribiendo a impulsos. Imprimió a sus obras un estilo de prosa transparente y un lenguaje sobrio y preciso, por lo que ha sido llamado «el Chéjov americano».

Chéjov, iniciador del cuento moderno y maestro insuperable en la narración breve

El aporte literario de Chéjov fue trascendente, sin objeciones. Aunque algunos de sus relatos de contundente elocuencia puedan parecer impregnados de clasicismo, fue él quien introdujo un tiempo diferente y novedoso en la manera de narrar (algo comparable a lo que hicieron Marcel Proust o Thomas Mann dentro del género novelístico). Al escribir sabía cómo utilizar magistralmente la técnica del monólogo, que también emplearían más tarde otros autores de la estatura intelectual de James Joyce.

Su influencia marcó no sólo el desarrollo del género, apartándolo de ese preconcepto erróneo de literatura infantil o menor que arrastraba, sino que estableció aspectos narrativos distintos e hizo que la trama de los relatos dejara de ser lo importante centrándose en el aspecto humano y librado al azar de sus protagonistas.

Componía la arquitectura de sus narraciones integrando elementos que en principio parecían prescindibles, sin demasiada relevancia, pero de alguna manera la conjunción de esos elementos, generaba un escenario ambiental que era la base para el desarrollo del argumento. Hasta Chéjov, el cuento se centraba en la mera anécdota, su tiempo literario alcanzaba para tener en sus páginas una trama, un principio, un nudo y una conclusión, frecuentemente con una enseñanza subjetiva y moralizadora.

Los personajes de sus cuentos pueden ser humorísticos, tristes o patéticos. Y si las circunstancias lo requieren, pueden variar y pasar a ser imperfectos, anhelantes, indifentes aburridos o melancólicos. Chéjov logra que el lector pueda reconocerse en cada uno de ellos, con esa distancia suya que no era indiferencia, sino más bien curiosidad.

Tuvo a dos cuentistas extraordinarios como precedentes ilustres a los que leyó con devoción: Iván Turgueniev y Guy De Maupassant (quien fue casi contemporáneo suyo).
En sus relatos de belleza sorprendente, Turgeniev fue el que comenzó a priorizar el ambiente del entorno por encima de los hechos, algo que posteriormente Chéjov llevaría a su máxima expresión.
En cuanto a Maupassant, sin duda uno de los maestros del género, era un ídolo decadente, famoso en su época, cuya muerte trágica acrecentó su celebridad. Hizo de la anécdota misteriosa o curiosa su foco de atención y muchos escritores de literatura de terror posteriores lo utilizaron como referencia.

Julio Cortázar consideraba, coincidiendo con el escritor ruso, que el cuento breve moderno se caracterizaba por la economía de medios y también opinaba habiendo leído intensamente sus cuentos que: «Hay hombres que en algún momento cesan de ser ellos y su circunstancia, hay una hora en la que se anhela ser uno mismo y lo inesperado. De eso hablan los relatos de Chejov».

Por su parte el escritor germano Thomas Mann opinaba con su agudeza característica, demostrando las semejanzas de la obra del singular autor ruso con las de los mejores escritores de otros países. Y manifestaba que «aún hoy Chejov tiene hermanos de espíritu atormentado, debido a que no se han extirpado todavía de la sociedad las condiciones por las cuales existe un abismo infranqueable entre la verdad y la realidad. Esos escritores, se encuentran torturados por la conciencia de su incapacidad para responder a la pregunta: -¿Qué debemos hacer? Son incapaces de revelar el sentido que tiene su obra; pero, a despecho de ello, siguen escribiendo hasta el fin.»

Antón Pavlovich Chéjov (1880-1904) en definitiva, fue un eximio dramaturgo y cuentista notable. Su prolífica producción tuvo especial intensidad en el campo de la narrativa breve, en la que desplegó con singular destreza las virtudes que le convirtieron en uno de los grandes clásicos de la literatura universal de todos los tiempos.

Dejó para la posteridad significativas frases muy difundidas, en una de ellas expresaba en relación al relato breve: «la brevedad es la hermana del talento”. También, y a pesar de no haber escrito nunca un ensayo sobre teoría poética y narrativa; de su voluminosa correspondencia han podido extraerse valiosísimos consejos y recomendaciones muy útiles, para comprender y dominar el arte de escribir desde su perspectiva brillante y admirable.

En la actualidad, su legado literario continúa vigente, integrando una terna insuperable junto a Edgar Allan Poe y Guy de Maupassant, en la opinión y valoración de críticos y lectores adeptos al cuento moderno.

En su biografía consta que falleció el el 15 de julio de 1904 en Badenweiler, balneario de la Selva Negra alemana, donde se había instalado por instrucciones médicas buscando alivio a su mal. La enfermedad que lo llevó a la muerte comenzó a afectarlo desde muy joven; sus veinticuatro años empezó a escupir sangre y la alarma se encendió. Siendo médico intuía la gravedad que implicaban esos síntomas; aún así se negó a ser examinado por otro profesional, tal vez por un temor subconsciente de ver confirmadas sus más íntimas sospechas. Así, la dolencia continuó progresando lenta e inexorablemente y fue minando de forma casi imperceptible sus energías. Pero Chejov siguió engañándose y prefirió pensar que la causa de sus esputos de sangre, cada vez más frecuentes.

En marzo de 1897, se le produjo una severa hemoptisis (expectoración de sangre proveniente de los pulmones o bronquios) que una vez controlada, llevó a sus médicos a advertirle que la tuberculosis ya estaba en un estado muy avanzado y le aconsejaban recluirse en un lugar de clima más benigno. Esto lo obligó a renunciar a una vida normal y a comenzar un peregrinaje por distintos centros de asistencia médica de Europa.

En el año 1901 se casó con la famosa actriz de teatro rusa Olga Leonárdovna Knipper, pero debido a su enfermedad no pudo disfrutar mucho de su compañía, pues ella tenía que permanecer en Moscú por su trabajo y él en Yalta por su dolencia. Fueron pocos años de dificultosa convivencia y de gran soledad para el escritor, ya que Olga sólo iba a visitarlo cuando podía. Chéjov nunca le pidió más tiempo, era consciente de la juventud de su esposa y de su arduo trabajo; él en cambio, ya estaba al final de su carrera y de su vida.

Después de la muerte de Chéjov, Máximo Gorki, otro gran escritor ruso y entrañable amigo, le escribió a su esposa Olga una carta conmovedora inspirada en el triste final de uno de los hombres más representativos de Rusia. Se lamentaba en su misiva porque «una indiferencia abrumadora y una vulgaridad llevada a risas fue lo que acompañó a Chéjov hasta su tumba». No comprendiendo por qué el pueblo ruso le había pagado de esa manera, a un hombre que había trabajado y enseñado toda su vida para ellos. Un hombre íntegro que defendió con dignidad y sin renunciamientos los ideales por los que había luchado siempre, dejando ligado a ellos su recuerdo inmortal.

Para conocer más sobre la escritura:

Se escriben tres puntos dentro de paréntesis (…) o corchetes […] cuando al transcribir literalmente un texto se omite una parte de él.

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Diles que no me maten – Juan Rulfo

Reseña literaria del cuento Diles que no me maten de Juan Rulfo – El castigo del miedo y el largo de la venganza.

Diles que no me maten Juan Rulfo

Diles que no me maten es un cuento del escritor mexicano Juan Rulfo (1918-1986) que fue publicado por primera vez en el Número 66 de agosto de 1951 de la revista titulada América. Posteriormente apareció dentro de “El Llano en llamas” en el año 1953.

El cuento de Juan Rulfo, Diles que no me maten, plantea una estructura simple en la que, quien cuenta la historia, es personaje y narrador a la vez, de alguna manera omnisciente.

Este relato transporta al lector a tierras mexicanas, a una época determinada donde se exponen distintas realidades derivadas de la vida del hombre que cuida la tierra y los animales, y las dificultades que este debe sortear, para proteger lo que considera suyo. Se hace mención, además, a los trebejos con la justicia y a lo moldeable que puede ser esta cuando algo que ofrecer a cambio. Además, un eje central de la historia da vueltas alrededor de la conciencia de saber que se ha hecho algo malo, y al miedo al castigo por ello, en este caso la muerte, que termina presentándose con fuerza cuando llega la venganza a ocupar un lugar primordial.

Treinta y cinco años esperó el personaje para creer que su pecado había sido olvidado, viviendo con pena y miedo, perdiéndolo todo, y aun así no pagó el precio, no logró superar la venganza que se gestaba en un lugar que ni si quiera había considerado.

Diles que no me maten – Resumen

La historia comienza con un ruego de Juvencio Nava a su hijo, Justino, para que acuda a hablar con las personas que lo están buscando y les pida que no lo maten. A pesar de las negativas de su hijo, logra convencerlo y recuerda su historia, una que creyó olvidada.

Juan Rulfo Diles que no me maten

Mucho tiempo atrás surgió un problema con uno de sus vecinos debido a que no permitía que los animales de Juvencio se alimentaran en sus terrenos. Varias veces logró abrir el cerco que los separaba, pero Don Lupe, como solía llamarlo, volvía a cerrarlo. Cierta vez, enojado, don Lupe mató uno de sus animales lo que enfureció a Juvencio que le quitó la vida en reprimenda.

A partir de ese momento debió escapar para no ser castigado. Intentó sobornar a la justicia y a todo aquél que le pudiera ponerlo en peligro. Perdió a su esposa y a su familia, pero lo que más lo afectó fue el haber perdido la tranquilidad. Ahora, siendo viejo, su crimen lo había alcanzado.

Fue llevado preso hacia donde lo esperaba un coronel, caminando vencido, intentando decirles que no había hecho nada malo. Al llegar, fue interrogado por su asesinato descubriendo que, quien lo había mandado a buscar, era el hijo de don Lupe, no podría escapar de la muerte, nadie puede.

Y al final, la venganza salió ganando, y Justino llevó a su padre sobre el lomo de un burro, aunque ninguno de ellos logró recuperar la paz y la venganza seguiría saltando de persona a persona.

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