Los recuerdos, susurros de historias – Olga Orozco

Cuando los escritores abren su memoria y dejan surgir la melancolía, la narración de sus recuerdos evoca los nuestros – Poesía de Olga Orozco

«Llegará un día en que nuestros recuerdos serán nuestra riqueza» – Paul Géraldy (1885-1983) Poeta francés.

Recuerdos - Olga Orozco
Olga Orozco

Convertimos cada instante significativo de la vida en recuerdos, esperanzados de que alguno de estos le ayude a nuestro corazón a seguir latiendo cuando estemos solos. Y al mismo tiempo, procurando dilucidar un eterno misterio, anhelamos encontrar la manera de olvidar sin culpas cuando es necesario hacerlo.

Nuestros recuerdos nos pertenecen en exclusividad, se nutren del pasado pero además lo completan y, alegres o tristes, pueden ser compañía o tormento; ¿son recurrentes? Creemos que si, porque es una característica que los define y siguiendo nuestros estados de ánimo, van variando y transformándose en reminiscencias nostálgicas, tiernas, románticas, dolorosas, caóticas o desafiantes, pero en definitiva, nos servirán para aprender de experiencias previas.

Aunque es imposible saber cuánto habrán de durar los recuerdos, y no obstante la opinión del escritor y poeta mexicano Juan Rulfo, quien sostenía que hasta la remembranza más intensa muere apagada por el paso del tiempo; todos conservamos algún recuerdo imborrable, guardado para siempre en un rincón secreto del alma.

Podemos vivir como soñamos o soñar lo que vivimos y hasta evadir la realidad a veces, pero el sendero a transitar será arduo si intentamos prescindir absolutamente de nuestros recuerdos.

Nos sirve el tema para introducirnos en la poesía de Olga Orozco, polifacética escritora argentina del siglo XX, y una integrante más de la inmensa galería de personalidades del universo literario, a quienes el transcurrir del tiempo implacable fue sepultando en las desérticas arenas del olvido, pero que a pesar de todo, vale la pena descubrir o volver a leer.

Recordemos uno de sus poemas:


«Aquí están tus recuerdos»

Aquí están tus recuerdos:
este leve polvillo de violetas
cayendo inútilmente sobre las olvidadas fechas;
tu nombre,
el persistente nombre que abandonó tu mano entre las piedras;
el árbol familiar, su rumor siempre verde contra el vidrio;
mi infancia, tan cercana,
en el mismo jardín donde la hierba canta todavía
y donde tantas veces tu cabeza reposaba de pronto junto a mí,
entre los matorrales de la sombra.


Todo siempre es igual.
Cuando otra vez llamamos como ahora en el lejano muro:
todo siempre es igual.
Aquí están tus dominios, pálido adolescente:
la húmeda llanura para tus pies furtivos,
la aspereza del cardo, la recordada escarcha del amanecer,
las antiguas leyendas,
la tierra en que nacimos con idéntica niebla sobre el llanto.


-¿Recuerdas la nevada? ¡Hace ya tanto tiempo!
¡Cómo han crecido desde entonces tus cabellos!
Sin embargo, llevas aún sus efímeras flores sobre el pecho
y tu frente se inclina bajo ese mismo cielo
tan deslumbrante y claro.


¿Por qué habrás de volver acompañado, como un dios a su mundo,
por algún paisaje que he querido?
¿Recuerdas todavía la nevada?



¡Qué sola estará hoy, detrás de las inútiles paredes,
tu morada de hierros y de flores!
Abandonada, su juventud que tiene la forma de tu cuerpo,
extrañará ahora tus silencios demasiado obstinados,
tu piel, tan desolada como un país al que sólo visitaran cenicientos pétalos
después de haber mirado pasar, ¡tanto tiempo!,
la paciencia inacabable de la hormiga entre sus solitarias ruinas.


Espera, espera, corazón mío:
no es el semblante frío de la temida nieve ni el del sueño reciente.
Otra vez, otra vez, corazón mío:
el roce inconfundible de la arena en la verja,
el grito de la abuela,
la misma soledad, la no mentida,
y este largo destino de mirarse las manos hasta envejecer.


Para saber más:

Olga Nilda Gugliotta Orozco fue una poetisa, escritora y cuentista integrante del movimiento surrealista argentino, nacida en Toay, provincia de La Pampa (Argentina) el 17 de marzo de 1920.

Empezó a escribir poesía desde muy joven y cursó estudios de Filosofía y Letras en la Universidad de Buenos Aires. Dotada de una gran capacidad imaginativa, sutil inteligencia y personalidad seductora. Su trayectoria literaria estuvo influenciada por escritores de la estatura intelectual de Arthur Rimbaud, Charles Baudelaire, el escritor polaco premio Nobel de Literatura 1980, Czesław Miłosz y el poeta alemán Rainer Rilke.

Sus poemas y textos han sido incluidos en diversas antologías y publicaciones, además de ser traducidos a varios idiomas,De su producción destacamos, entre otros, los poemarios «Desde lejos», «Los juegos peligrosos», «Museo salvaje», «Cantos a Berenice», «Mutaciones de la realidad», «Eclipses y fulgores» y «Últimos poemas»; continuados en cierta manera, con obras en prosa de exquisita narrativa poética como «La oscuridad es otro sol» y «También luz es un abismo» Olga Orozco falleció en Buenos Aires el 15 de agosto de 1999.

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Los versos del capitán – Pablo Neruda


Pablo Neruda y los versos del capitán – El idilio secreto del autor con Matilde Urrutia

Los versos del capitán - Pablo Neruda

En 1920, Europa ocupaba el centro del mundo y buscaba estabilizarse para superar las terribles consecuencias derivadas de la Primera Guerra Mundial. En otro punto del planeta, a miles de kilómetros, un ignoto y novel poeta adolescente llamado Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto, publicaba colaboraciones y poemas en revistas literarias y en un diario local de Temuco (Chile), que firmaba con el seudónimo Pablo Neruda -Conocer biografía-, iniciando así, sin saberlo, la trayectoria literaria del excepcional escritor trasandino considerado uno de los autores, en lengua española, más relevante e influyente del siglo XX.

Pablo Neruda nunca quiso aclarar porque decidió usar ese nombre, algunas versiones aseguran que lo hizo en honor del poeta checo Jan Neruda, a quien admiraba. Otras refieren que el motivo verdadero era no contrariar a un padre que prefería a su hijo trabajando, en vez de dedicarse a una actividad que creía abstracta y poco práctica, la de ser poeta.

Solamente cuatro años después, en 1924, aquel mismo joven delgado, de tez pálida, que a veces se mostraba taciturno y usaba habitualmente una larga capa negra; que estudiaba en el Instituto Pedagógico de la Universidad de Santiago de Chile participando junto con otros jóvenes escritores de la exaltada bohemia literaria de la época. Aquel joven que leía con avidez y escribía con pasión desbordante, publica a su corta edad, un libro de poesías que se convertiría en uno de los poemarios más leídos de la historia: «Veinte poemas de amor y una canción desesperada»; negando siempre que hubiera existido una destinataria de esos versos.

No obstante, según se supo posteriormente, las páginas de este libro que deslumbró a varias generaciones de amantes universales, reflejaban en realidad las vicisitudes de un romance juvenil que mantuvo Neruda con Albertina Rosa Azócar Soto, la mujer a quien iban dedicados la mayoría de los versos; la relación entre ambos se extendió desde 1922 hasta 1932, período en que el poeta le escribió a su enamorada 111 cartas de amor, que Albertina guardó celosamente en secreto durante más de medio siglo, hasta que todo trascendió y pudo conocerse finalmente a la musa que inspiró la célebre obra.

Las vida continuó y otras mujeres fueron amadas por Pablo Neruda: Albertina, Teresa, Guillermina, Laura, María Antonieta, Delia, y la última pasión. el amor maduro vivido con Matilde Urrutia a quien dedicó, también en secreto, el poemario llamado Los versos del capitán. La musa inspiradora había cambiado pero la historia tenía un trasfondo parecido.

El 8 de julio de 1952, el pintor y crítico de arte italiano Paolo Ricci publicó con carácter de anónimo un libro de poemas titulado Los versos del capitán. Era una edición limitada apenas a 44 ejemplares que la imprenta Arte Tipográfico de Nápoles había elaborado con papel marfil hecho a mano, tipografía Bodoni, e ilustraciones del mismo Ricci. En la portada lucía impresa la cabeza de una medusa y como único prólogo del poemario, destacaba la transcripción textual de una carta escrita en La Habana, Cuba y firmada por una persona identificada como Rosalía de la Cerda. Explicaba en la misiva, que enviaba al editor una serie de poemas que habían sido escritos para ella por un excombatiente del bando republicano en la Guerra Civil Española, lo había conocido mientras realizaba una gira artística en la frontera franco-española. Los poemas eran el testimonio de la historia de amor que unió sus vidas.

La identidad del autor legítimo del poemario permaneció en el anonimato por algún tiempo, aunque el círculo íntimo que rodeaba al eximio escritor sabía lo que era un secreto a voces, los poemas del libro narraban poéticamente el despertar de un apasionado romance del autor con Matilde Urrutia y no eran el testimonio de un soldado republicano enamorado de una artista desconocida.

En la publicación póstuma de Confieso que he vivido Neruda explica al respecto:
«Mucho se discutió el anonimato de este libro. Lo que yo discutía en mi interior mientras tanto, era si debía o no sacarlo de su origen íntimo: revelar su progenitura era desnudar la intimidad de su nacimiento. Y no me parecía que tal acción fuera leal a los arrebatos de amor y furia, al clima desconsolado y ardiente del destierro que le dio nacimiento.
Cuando Paolo Ricci, compañero luminoso, lo imprimió por primera vez en Nápoles en 1952, pensamos que aquellos escasos ejemplares que él cuidó y preparó con excelencia, desaparecerían sin dejar huellas en las arenas del sur. No ha sido así. Y la vida que reclamó su estallido secreto hoy me lo impone como presencia del inconmovible amor.» (…)
«La única verdad es que, durante mucho tiempo, no quise que esos poemas hirieran a Delia del Carril, pasajera suavísima, hilo de acero y miel que ató mis manos en los años sonoros y que fue para mí durante dieciocho años una ejemplar compañera». (…)


La biografía dice que Pablo Neruda era senador en Chile desde 1945 en que fue elegido, pero en 1948 el gobierno de Gabriel González Videla lo expulsa del país por razones políticas y él se exilia con su esposa de entonces, la pintora Delia del Carril, en México. En la capital del país azteca, convaleciente de una enfermedad, contrata para que lo asista a Matilde Urrutia, con quien ya había tenido un encuentro  circunstancial y fugaz cuando la conoció en un concierto al aire libre realizado en el Parque Forestal de Santiago (Chile). Se inicia en esos días el idilio furtivo, que Neruda disimularía ante su esposa utilizando cualquier pretexto para estar con su amante, la llevó a París, también al Festival Mundial de la Juventud celebrado en Alemania, haciéndola invitar como “cantante”. A la Unión Soviética como “amante secreta” de su amigo el activista cubano Nicolás Guillén.
En enero de 1952, Delia del Carril regresa a Chile y, confesando que «lo más fuerte que me queda es una desilusión», termina separándose formalmente después de 20 años de matrimonio.

Conozcamos algunos de los versos del capitán

Tu risa

Quítame el pan si quieres,
quítame el aire, pero
no me quites tu risa.


No me quites la rosa,
la lanza que desgranas,
el agua que de pronto
estalla en tu alegría,
la repentina ola
de planta que te nace.


Mi lucha es dura y vuelvo
con los ojos cansados
a veces de haber visto
la tierra que no cambia,
pero al entrar tu risa
sube al cielo buscándome
y abre para mí todas
las puertas de la vida.


Amor mío, en la hora
más oscura desgrana
tu risa, y si de pronto
ves que mi sangre mancha
las piedras de la calle,
ríe, porque tu risa
será para mis manos
como una espada fresca.


Junto al mar en otoño,
tu risa debe alzar
su cascada de espuma,
y en primavera, amor,
quiero tu risa como
la flor que yo esperaba,
la flor azul, la rosa
de mi patria sonora.


Ríete de la noche,
del día, de la luna,
ríete de las calles
torcidas de la isla,
ríete de este torpe
muchacho que te quiere,
pero cuando yo abro
los ojos y los cierro,
cuando mis pasos van,
cuando vuelven mis pasos,
niégame el pan, el aire,
la luz, la primavera,
pero tu risa nunca
porque me moriría.



Si tú me olvidas

Quiero que sepas una cosa.   
Tú sabes cómo es esto:
si miro la luna de cristal, la rama roja
del lento otoño en mi ventana,
si toco junto al fuego
la impalpable ceniza
o el arrugado cuerpo de la leña,
todo me lleva a ti,
como si todo lo que existe,
aromas, luz, metales,
fueran pequeños barcos que navegan
hacia las islas tuyas que me aguardan.
     
Ahora bien,
si poco a poco dejas de quererme
dejaré de quererte poco a poco.     
Si de pronto me olvidas
no me busques
que ya te habré olvidado.
     
Si consideras largo y loco
el viento de banderas
que pasa por mi vida y te decides
a dejarme a la orilla
del corazón en que tengo raíces,
piensa
que en ese día, a esa hora
levantaré los brazos
y saldrán mis raíces
a buscar otra tierra.
     
Pero si cada día, cada hora
sientes que a mí estás destinada
con dulzura implacable.
Si cada día sube
una flor a tus labios a buscarme,
ay amor mío, ay mía,
en mí todo ese fuego se repite,
en mí nada se apaga ni se olvida,
mi amor se nutre de tu amor, amada,
y mientras vivas estará en tus brazos
sin salir de los míos. 



La carta en el camino (fragmento)

Adiós, pero conmigo
serás, irás adentro
de una gota de sangre que circule en mis venas
o fuera, beso que me abrasa el rostro
o cinturón de fuego en mi cintura.
Dulce mía, recibe el gran amor 
que salió de mi vida
y que en ti no encontraba territorio
como el explorador perdido
en las islas del pan y de la miel.
Yo te encontré después de la tormenta,
la lluvia lavó el aire y en el agua
tus dulces pies brillaron como peces. (…)

Pablo Neruda escribió este poemario, en el bungalow blanco sobre los acantilados de la casa en la Isla de Capri que su amigo italiano Erwin Cerio, le había ofrecido para que utilizara como refugio de amantes. Matilde lo guardó en una caja de madera cubierta de nácar, que sirvió también para depositar un anillo, obsequio de su compañero íntimo, con la inscripción: “Capri, 3 de mayo de 1952, Tu Capitán”.
Dividió la estructura del libro en partes. Las primeras se refieren:  al amor, al deseo, a las furias, a las vidas y a las odas. Sigue un extenso poema, llamado “Epitalamio” y concluye con “La carta en el camino”. Imaginó y describió las diferentes etapas del noviazgo en cada verso, la anhelada unión con la amada y por último el poema de la separación, como contrapunto necesario a todo enamoramiento.

Pablo Neruda y Matilde Urrutia convivieron hasta la muerte del poeta acaecida el 23 de septiembre de 1973; Matilde dejó de existir el 5 de enero de 1985; desde diciembre de 1992 ambos están enterrados en medio del acantilado de Isla Negra, durmiendo juntos la quimera de la paz eterna en aquel lugar que eligiera el poeta para sus ensoñaciones sin tiempo.

Escribir poesía significa para un escritor un arduo trabajo de composición donde el talento personal es preponderante y determina la calidad final de la obra. También se necesita fantasía, imaginación, un vocabulario fluido y el dominio acabado de los secretos del lenguaje. Pero cuando leemos poemas, que llevan ese matiz especial que confiere calidez humana al trabajo intelectual, pensamos en las musas, esas deidades que sirven de inspiración a los artistas. Es un antiquísimo concepto que proviene de la mitología griega y que los seres humanos hemos incorporado como propios desde el inicio de los tiempos. Por eso, cuando leemos un poema de amor…¿Qué nos impide creer que las musas existen?

Epitalamio (fragmento)
¿Recuerdas cuando en invierno llegamos a la isla?
El mar hacia nosotros levantaba una copa de frío.
En las paredes las enredaderas susurraban dejando
caer hojas oscuras a nuestro paso.
Tú eras también una pequeña hoja que temblaba en mi pecho.
El viento de la vida allí te puso.
En un principio no te vi: no supe que ibas andando conmigo,
hasta que tus raíces horadaron mi pecho,
se unieron a los hilos de mi sangre, hablaron por mi boca. (…)


Y así ves, amor mío, cómo marcho por la isla,
por el mundo, seguro en medio de la primavera,
loco de luz en el frío, andando tranquilo en el fuego,
levantando tu peso de pétalo en mis brazos,
como si nunca hubiera caminadosino contigo, alma mía,
como si no supiera caminar sino contigo,
como si no supiera cantar sino cuando tú cantas. (…)

Para saber más:

Epitalamio: composición lírica escrita en honor de una boda.

Pablo Neruda fue un hombre polémico y un militante de fuertes convicciones intelectuales y políticas. Escritor iluminado que encarnó la vanguardia poética latinoamericana en el siglo XX, transformándose en uno de los referentes más admirados y endiosados. Su vasta obra literaria traspasó los límites imaginables y es imposible negar el valor genuino que tiene y representa en la cultura universal.

No obstante, en el contexto actual que ha cambiado radicalmente en comparación con el del siglo pasado, una enorme y oscura mancha comenzó a desteñir la imagen esplendorosa del poeta, motivada por hechos que se ocultaron durante décadas y que ahora han tomado estado público. Como consecuencia, se producen reacciones de comprensión y de indulgencia hacia el hombre o el poeta, pero también hay muestras de decepción, intolerancia y rechazo.

Lo cierto es que del matrimonio de Pablo Neruda con su primera esposa María Antonieta Hagenaar (a quien llamaba la javanesa o Maruja o Maruca), nació Malva Marina Trinidad, su única hija, la niña padecía una hidrocefalia severa y su muerte era inevitable, pero vivió ocho años. Su padre la abandonó a los dos y nunca más la vio. 
“Maruca” viajó a Holanda con su hija, donde se radicaron en la ciudad de Gouda, allí la niña quedó al cuidado de una familia cristiana, mientras su madre trabajaba para mantenerla, así transcurrieron sus días hasta que murió el 2 de marzo de 1943. María Antonieta comunicó a través del consulado chileno en La Haya, la lamentable noticia a su progenitor pidiéndole reunirse. La respuesta de Neruda fue sólo un frío silencio.
Una actitud que merece el más absoluto repudio.

Tratamos de reflejar objetivamente aquí lo que pasó, lo que está escrito y es comprobable y separamos las críticas al genio creativo de una obra literaria, de lo que son las conductas hipócritas o faltas de ética en la vida privada de algunas personas, convertidas en actitudes que racionalmente son muy difíciles de explicar.

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Cuando muere un amor en palabras de un poeta


Cuando muere un amor y las palabras se transforman en su único recuerdo, es el poeta el que lo hace inolvidable

«Pero vea señora que diferencia había
entre usted que lloraba y yo que sonreía.
Pues nuestro amor concluye con finales diversos,
usted besando a otro… Yo, escribiendo estos versos.»

Amor

Todo amor transita por dos caminos, uno, el sendero transparente de poesía, música y fragantes rosas que lo envuelven cuando se inicia y el otro, simbolizado como un duro trayecto de retorno, cuando las circunstancias fortuitas de la vida van destruyendo los sueños románticos y el amor muere desgastado.

Y esto último, en la realidad cotidiana de nuestra existencia ocurre con demasiada frecuencia, aunque Gustavo Adolfo Bécquer, opinando lo contrario, haya inmortalizado en su célebre «Amor eterno» las palabras finales del poema: «Pero jamás en mí podrá apagarse la llama de tu amor.»


Eximios poetas engalanaron con su inspiración una extensa galería de poesías dedicadas a este tema. Elegimos a uno de ellos, el cubano José Angel Buesa, quien desnudando sin pudores su alma, describió con versos bellísimos las inefables sensaciones que percibe quien pierde el amor de la persona que ama.
Lo compartimos.

Carta a usted…Señora:

Según dicen ya tiene usted otro amante.
Lástima que la prisa nunca sea elegante.
Yo sé que no es frecuente que una mujer hermosa
se resigne a ser viuda, sin haber sido esposa.


Y me parece injusto discutirle el derecho
de compartir sus penas sus goces y su lecho,
pero el amor señora cuando llega el olvido
también tiene el derecho de un final distinguido.


Perdón… Si es que la hiere mi reproche. Perdón,
aunque sé que la herida no es en el corazón
Y para perdonarme, piense si hay más despecho
en lo que yo le digo, que en lo que usted ha hecho.


Pues sepa que una dama con la espalda desnuda
sin luto en una fiesta, puede ser una viuda.
Pero no como tantas de un difunto señor,
sino para ella sola, viuda de un gran amor.


Y nuestro amor recuerdo, fue un amor diferente
al menos al principio, ya no, naturalmente.


Usted será el crepúsculo a la orilla del mar,
que según quien lo mire será hermoso o vulgar.
Usted será la flor que según quien la corta,
es algo que no muere o algo que no importa.


O acaso cierta noche de amor y de locura
yo vivía un ensueño y usted una aventura.
Si usted juró cien veces ser para siempre mía,
yo besaba sus labios pero no lo creía.


Usted sabe, y perdóneme, que en ese juramento
influye demasiado la dirección del viento.
Por eso no me extraña que ya tenga otro amante
a quien quizás le jure lo mismo en este instante.


Y como usted señora ya aprendió a ser infiel,
a mí así de repente me da pena por él.


Sí es cierto, alguna noche su puerta estuvo abierta
y yo en otra ventana me olvidé de su puerta.
O una tarde de lluvia se iluminó mi vida
mirándome en los ojos de una desconocida.


Y también es posible que mi amor indolente
desdeñara su vaso bebiendo en la corriente.
Sin embargo señora, yo, con sed o sin sed,
nunca pensaba en otra si la besaba a usted.


Perdóneme de nuevo si le digo estas cosas
pero ni los rosales dan solamente rosas.
Y no digo estas cosas por usted ni por mí,
sino por los amores que terminan así.


Pero vea señora que diferencia había
entre usted que lloraba y yo que sonreía.
Pues nuestro amor concluye con finales diversos
usted besando a otro… Yo, escribiendo estos versos.

Compartimos también otro poema del mismo tenor, escrito por el poeta argentino Antonio Requeni, pintando con descreimiento y elocuencia expresiva, toda la nostalgia que nos envuelve e inmoviliza cuando un gran amor queda deshecho.

Último poema – Ver poema completo

Quise amarte y te amé. Junto a mi voz te quise
para nombrar contigo la defunción del sueño.
Tú eras verdad. Estabas. Y un sutil poderío
me arrastraba a tus formas de alabastro magnético.

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Fermín Estrella Gutiérrez y sus sonetos

Sonetos que cantan a la vida en la poesía de Fermín Estrella Gutiérrez

Fermín Estrella Gutiérrez

Con frecuencia hemos comentado en nuestras notas acerca de las preferencias de los poetas a la hora de escribir sus versos y en ellas observamos que la soledad, los amores dichosos o contrariados, la melancolía, el olvido, el pasado, las vivencias trágicas y la muerte misma, son indudablemente, sus temas predilectos; pero también abundan poesías que describen la vida con esperanza y exaltación.

Para ilustrar con ejemplos esta última aseveración, elegimos al azar algunos poemas del interesante legado lírico de Fermín Estrella Gutiérrez, uno de los tantos inspirados autores de composiciones que hacen o hicieron de la ilusión de vivir y el optimismo, la razón trascendente y esencial de su existencia.

Porque sabido es que el mejor homenaje que siempre podremos tributar a un poeta será leerlo,leamos entonces:

Soneto a la vida – Fermín Estrella Gutiérrez

Vida, aquí vengo al final de la partida
a darte gracias por lo que me has dado
por la flecha clavada en mi costado,
por la esperanza y la ilusión perdida.
 
Gracias por estos hijos, luz nacida,
regalo de un destino atormentado,
óptimo fruto, el bien más esperado
de esta vida de amor a ti debida.
 
Gracias por este afán, ardiente y puro,
gracias por cada amanecer radiante
y gracias por andar fuerte y seguro.
 
Gracias por éste corazón amante,
gracias por esperar con fe el futuro,
solo y sin rumbo y siempre hacia adelante.


La alegría de vivir – Fermín Estrella Gutiérrez

No se razona, no se piensa en nada,
su surtidor tan sólo, la Alegría,
Abrir los ojos, saludar al día,
el alma ebria de cielo, enajenada.
 
Sentir la tierra vegetal, mojada,
los pájaros, el mar, la lluvia fría.
Sentir que toda la belleza es mía,
que es mío el mundo y mía esta jornada.
 
Sentir la vida como un don del cielo
sin dolores, sin ansias, pura y fuerte.
Vivir, sólo vivir, qué hermoso anhelo.
 
Confiar en el destino y en la suerte
y libre de quebrantos y recelo,
no temerle a la vida ni a la muerte.

Credo – Fermín Estrella Gutiérrez

Creo en la vida: el hoy y el mañana,
creo en la muerte: la última aventura, 
creo en el bien, que alienta y que perdura 
creo en el sol que alumbra mi ventana. 

Creo en la paz que con amor se gana, 
y creo en el amor y su dulzura, 
creo en la rosa y en el alba pura, 
creo en la fuente que sin tregua mana. 

Creo en el hombre, artífice constante, 
con su luz y su sombra y su pujanza, 
y su eterno marchar hacia adelante. 

Y creo en la justicia y la esperanza, 
en la belleza, oh gozo delirante, 
y en el placer que con el bien se alcanza.

Soneto de la dulce filosofía – Fermín Estrella Gutiérrez

La vida hay que vivirla lentamente
sin prisa, sin angustia, sin recelo,
como quien mira simplemente el cielo, 
como quien bebe de una pura fuente.

Vivir entre el pasado y el presente,
vivir sólo lo hermoso, el noble anhelo,
sin descorrer el misterioso velo
de lo que ha de venir forzosamente.

Mira la rosa y goza con su encanto,
abre el pecho y el alma a la mañana
y pon tu vida en el amor y el canto.

Goza el frescor que de la noche mana,
trueca en sonrisa la acritud del llanto
y abre el sol y a los vientos tu ventana.

La palabra es un don que ennoblece la condición humana de mujeres y hombres y es una herramienta maravillosa, imprescindible, para que los poetas conviertan el fruto de su imaginación en arte sublime.

Fermín Estrella Gutiérrez fue un escritor, poeta, profesor y académico de origen español, nacido en la ciudad andaluza de Almería, el 28 de octubre de 1900. Autor de una amena y variada producción literaria, en la que resalta la creación poética cultivada con pasión y tenue melancolía. Recurrió con frecuencia al verso rimado, dado que sentía marcada predilección por la forma estrófica del soneto clásico, esta circunstancia le permitió desarrollar un singular estilo logrando con él una admirable perfección estilística y formal. 
Residente en Argentina desde muy joven adoptó la ciudadanía del país rioplatense al cumplir los 18 años. En 1924 ya había publicado con éxito de crítica su primer poemario, El cántaro de plata; esta temprana vocación literaria perduró en el tiempo e hizo que se consagrara exclusiva y fervorosamente a la literatura y a la enseñanza.

Escribió también manuales de literatura, con los que estudiaron varias generaciones de alumnos argentinos. Integró la Academia Mexicana de la Lengua y en 1955 la Academia Argentina de Letras lo designó Miembro de número de la Institución; por muchos años fue asiduo colaborador de la sección cultural del diario La Nación de Buenos Aires.Fue además un hombre de firmes convicciones democráticas y reconocida integridad moral, cualidades que le granjearon un merecido respeto en los distintos ámbitos en que desenvolvió sus actividades.

Fermín Estrella Gutiérrez conoció a Alfonsina Storni y llegó a forjar con ella una entrañable amistad. El poeta de la serena nostalgia que nunca abandonó el lirismo asumido como un sentimiento vital, murió en Buenos Aires el 18 de febrero de 1990 a los 89 años de edad.

En su legado literario destacan obras en verso: «El cántaro de plata», «Canciones de la tarde», «La ofrenda»,  «La niña de la rosa»,Sonetos de la vida interior», «Destierro», «Sonetos a la soledad del hombre», «Sonetos del cielo y de la tierra», «El libro de las horas» y «Antología poética».Y obras en prosa:»Desamparados», «Trópico», «Memorias de un estanciero y otros cuentos», «Recuerdos de la vida literaria», «Panorama sintético de la literatura argentina», «San Martín: Páginas escogidas sobre el Héroe» y  «Geografía espiritual de Buenos Aires».

Para conocer más:
El soneto es una composición poética compuesta por catorce versos de arte mayor, endecasílabos en su forma clásica. Los versos se organizan en cuatro estrofas: dos cuartetos y dos tercetos.
El verso endecasílabo es el verso de arte mayor que está formado por once sílabas; este verso tiene en su forma simple un acento obligado en la décima sílaba, que debe estar acompañado con otro acento intermedio, que también es obligado pero que puede cambiar de lugar.
El origen de estos versos se produjo en Italia, siendo posteriormente adoptados por España, donde recién florecieron una vez iniciado el Renacimiento. Sus principales cultores fueron Garcilaso de la Vega y Juan Boscán, quienes los llevaron a su más elevada expresión.

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Alfredo Veiravé – Poeta olvidado

Alfredo Veiravé, un poeta argentino que el tiempo escondió sin clemencia

El domingo es ese día de la semana en que nada importa demasiado, reflexionaba en otras épocas el singular músico estadounidense Louis Armstrong, definiendo al día más especial del calendario semanal.

Podemos coincidir sin cuestionamientos con tal apreciación y pocos objetarían nuestra opinión, pero también podemos considerar factible utilizar esas horas de supuesto desinterés, para dedicarlas a desarrollar actividades que  nos resulten amenas e interesantes. La lectura pendiente de aquel libro, nuevo o antiguo, que siempre postergamos con la excusa de no tener suficiente tiempo es un claro ejemplo, o quizás como entretenido juego intelectual, buscar entre los carpetas y recortes que atesoran nuestros recuerdos, alguna vieja poesía olvidada, para conocer, redescubrir o rescatar a esos escritores que con sus versos y palabras, fueron cómplices involuntarios de tímidos secretos de adolescencia y que después continuaron acompañando, con contenidos más profundos, los pasos que dimos hasta llegar a ser adultos.

Y si el domingo es un día lluvioso, mejor. Como aporte, compartimos con ustedes dos poemas de uno de los grandes renovadores de la poesía argentina de mediados del siglo pasado, el escritor Alfredo Veiravé injustamente relegado y olvidado en algún sendero inhóspito del tiempo que pasó.

Radar en la tormenta

Y alguna vez, no siempre, guiado por el radar el poema aterriza en la pista, a ciegas (entre relámpagos) carretea bajo la lluvia, y al detener las turbinas, descienden de él, pasajeros aliviados de la muerte: las palabras.

El regreso

He vuelto a caminar por las viejas calles de mi pueblo,subiendo y bajando hacia el río.He atravesado la plaza con sus árboles perfumados y florecidos;he mirado las mismas caras indiferentes de antaño y he pensado que a nosotros los hombres, nos dan a veces,el privilegio de volver sobre nuestros pasos antes de eliminarnos de las tarjetas, de los álbumes,de las fotografías. Quizás para que creamos que algo podemos rotular en esta inmensa fiebre, o simplemente, para que la destrucción no sea tan melancólica.
(Ahora estoy y estaré siempre tirado sobre los húmedos pastos de la costa,apoyado en los viejos sauces,escuchando estas campanas que ahora escucho aunque esté, en este instante, muy lejos.)

Alfredo Veiravé, fue un poeta, ensayista y crítico literario, nacido el 29 de Marzo de 1928 en la ciudad de Gualeguay -Entre Ríos- cercana a la costa argentina del río Uruguay.

Docente universitario egresado como Profesor en Letras por la Universidad Nacional del Nordeste y miembro de la Academia Argentina de Letras. En 1957 se radicó en Resistencia, capital de la provincia del Chaco, donde transcurrió la mayor parte de su vida, falleciendo allí el 22 de noviembre de 1991.
Escritor espontáneo, de vasta erudición, eternamente enamorado de las palabras, circunstancia esta que le permitió dotar de una rara y exquisita perfección a sus poemas, 
Entre sus obras publicadas destacan: «El alba, el río y tu presencia»; «Después del alba, el ángel»; «Destrucciones y un jardín de la memoria»; «Puntos luminosos»; «El imperio milenario»; «La máquina del tiempo» y «Radar en la tormenta».

Y para las horas finales de este domingo, terminamos con una conclusión: «La divagación es el domingo del pensamiento» en palabras del filósofo y escritor suizo Henri-Frédéric Amiel, autor de un célebre Diario íntimo.

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Retornos del amor – Rafael Alberti

Retornos del amor en la obra del inolvidable Rafael Alberti

El escritor español nacido en Cádiz, Rafael Alberti, último poeta de la inolvidable Generación del 27, es el autor una serie de bellísimos poemas que comienzan invariablemente con la frase Retornos del amor; y cuyos versos teñidos de sentimiento y pasión parecen pintados con todos los colores del arco iris. 
La escritora María Teresa León, su cónyuge desde el año 1932 en que la pareja contrajo enlace, fue también su musa inspiradora y la mujer que lo acompañó como esposa, amante y, ante todo, como amiga inseparable durante casi medio siglo de vivencias compartidas.
A continuación, siguen dos de los poemas a que hacemos referencia:

Retornos del amor en la noche triste

Ven, amor mío, ven, en esta noche sola y triste de Italia. Son tus hombros fuertes y bellos los que necesito.Son tus preciosos brazos, la largura maciza de tus muslos y ese arranque de pierna, esa compacta línea que te rodea y te suspende,dichoso mar, abierta playa mía.¿Cómo decirte, amor, en esta noche solitaria de Génova, escuchando el corazón azul del oleaje,que eres tú la que vienes por la espuma?Bésame, amor, en esta noche triste.Te diré las palabras que mis labios,de tanto amor, mi amor, no se atrevieron.Amor mío, amor mío, es tu cabeza de oro tendido junto a mí, su ardientebos que largo de otoño quien me escucha.Óyeme, que te llamo. Vida mía,sí, vida mía, vida mía sola.
¿De quién más, de quién más si sola mente puedo ser yo quien cante a tus oídos:vida, vida, mi vida, vida mía?¿Qué soy sin ti, mi amor? Dime qué fuera sin ese fuerte y dulce muro blando que me da luz cuando me da la sombra,sueño, cuando se escapa de mis ojos.Yo no puedo dormir. ¡Cuántas auroras,oscuras, braceando en las tinieblas,sin encontrarte, amor! ¡Cuántos amargos golpes de sal, sin ti, contra mi boca!¿Dónde estás? ¿Dónde estás? Dime, amor mío.¿Me escuchas? ¿No me sientes llegar como una lágrima llamándote,por encima del mar, en esta noche?

Retornos del amor en las arenas

Esta mañana, amor, tenemos veinte años.Van voluntariamente lentas, entrelazándose nuestras sombras descalzas camino de los huertos que enfrentan los azules de mar con sus verdores.Tú todavía eres casi la aparecida,la llegada una tarde sin luz entre dos luces,cuando el joven sin rumbo de la ciudad prolonga,pensativo, a sabiendas el regreso a su casa.Tú todavía eres aquella que a mi lado vas buscando el declive secreto de las dunas,la ladera recóndita de la arena, el oculto cañaveral que pone cortinas a los ojos marineros del viento.
Allí estás, allí estoy contra ti, comprobándola alta temperatura de las odas felices,el corazón del mar ciegamente ascendido,muriéndose en pedazos de dulce sal y espumas.Todo nos mira alegre, después , por las orillas.Los castillos caídos sus almenas levantan,las algas nos ofrecen coronas y las velas,tendido el vuelo, quieren cantar sobre las torres.
Esta mañana, amor, tenemos veinte años.

Parafraseándose a si mismo, Alberti utilizó este último verso para dedicar un epitafio a su amada de toda la vida, el día de su muerte y en la lápida de la tumba desafiando el paso del tiempo, se lee todavía: “Hoy, amor, tenemos veinte años”.

Otro de los poemas, «Retornos del amor tal como era» termina con estas intensas palabras: «Todo era fuego, exhalación, latido de onda caliente en ti. Si era una mano la atrevida o los labios, ciegas ascuas, voladoras, silbaban por el aire. Tiempo abrasado, sueño consumido.Yo me volqué en tu espuma en aquel tiempo.» 

Con estos versos diseñados en delicada eufonía, con palabras sugestivas y ardientes, a veces repetidas con insistencia, utilizando metáforas significativas que ponían en evidencia la intensidad amorosa, Rafael Alberti describió su amor a esa mujer que consideraba tan especial: María Teresa León.

El reconocimiento universal que merece por su calidad la obra literaria de Rafael Alberti, está fuera de toda discusión, no obstante, actitudes del excelso poeta hacia la compañera incondicional, arrojan alguna sombra sobre su personalidad. ¿pecó Alberti por exceso de ego o ingratitud?, la historia, a su tiempo, dará su veredicto.Lo cierto es que cuando la lucidez mental de María Teresa sucumbió ante la voracidad implacable del mal de Alzheimer, el amor que parecía eterno comenzó a diluirse; el poeta se olvidó de la fiel compañera y en los últimos años de padecimiento de la enfermedad, sólo la visitó esporádicamente aduciendo que no soportaba el dolor de verla convertida en un espectro vacío.

El calendario marcaba un martes 13 de diciembre de 1988, en las postrimerías de un otoño destemplado, cuando la inspirada autora de «Memoria de la melancolía», María Teresa León, falleció; en ese instante la vida para ella dejó de ser un calvario. Sus restos fueron sepultados en el cementerio de Majadahonda de la ciudad de Madrid. 

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El silencio que perturba a los poetas

El silencio, una palabra que perturba a los poetas, y aparece en su obra a lo largo del tiempo

El poeta británico Strider Marcus Jones escribió alguna vez una cita que se hizo muy conocida, «Cuando las palabras no salgan fáciles, me volveré al silencio y encontraré algo en la nada». Estaba haciendo referencia a una de las palabras que más perturban a los creadores literarios: el silencio.


Un vocablo que etimológicamente deriva del latín «silentĭum» y que el diccionario define simplemente como la abstención de hablar o a la ausencia de ruido.La interpretación profunda de su significado es, no obstante, mucho más compleja, porque el silencio es reflexión, pausa, contención sin renunciamiento y es en su esencia paradójicamente elocuente, porque hay silencios que gritan, que censuran, que lastiman, que duelen, que consienten.


Y es ese mismo silencio un espacio de perpetua contemplación, un refugio universal que se busca o se evita, un lugar habitado por misterios inexpugnables, desde donde aquel que parte nunca puede dejar de regresar a su primer asombro.
También, con frecuencia, se transforma en fuente de inspiración donde los poetas, despojados de sus límites, suelen encontrar o inventar las palabras necesarias para darle existencia a sus versos.  

La escritora estadounidense Diana Palmer (seudónimo de Susan S. Kyle) dijo: «Hay momentos tan bellos en la vida, que incluso las palabras son una profanación» y la frase resulta un excelente prólogo para estos poemas con que egregios poetas describieron el silencio:


Silencio (Octavio Paz) 

Así como del fondo de la música brota una nota,que mientras vibra crece y se adelgaza hasta que en otra música enmudece, brota del fondo del silencio otro silencio, aguda torre, espada, y sube y crece y nos suspende y mientras sube caen recuerdos, esperanzas, las pequeñas mentiras y las grandes, y queremos gritar y en la garganta se desvanece el grito: desembocamos al silencio en donde los silencios enmudecen.


Así como del fondo de la música brota una nota,que mientras vibra crece y se adelgaza hasta que en otra música enmudece, brota del fondo del silencio otro silencio, aguda torre, espada, y sube y crece y nos suspende y mientras sube caen recuerdos, esperanzas, las pequeñas mentiras y las grandes, y queremos gritar y en la garganta se desvanece el grito: desembocamos al silencio en donde los silencios enmudecen.

Solo de silencio (Leopoldo Marechal)


¡Rama frutal llena de pájaros enmudecidos, estanque negro,raíz en curva de leones tu silencio! Arranca de tus ojos en dos ríos unánimes;se escurre como el agua pluvial, de tus cabellos;cuelga de tus pestañas en invisibles gotas y es un chal en tus hombros morenos…
¡Yo he visto cómo nace de ti misma el silencio;yo sé cómo se anudan sus culebras azules en el gajo temblante de mi cuerpo!Entra como la noche a los palacios,invasor y terrible; me acarician sus dedos;abre el estuche de mis lágrimas;tiene un frescor de musgo: es el hondero que se esconde en mi selva de retorcidos árboles para cazar alondras de recuerdo.Y entonces, todo yo soy una copade tu silencio…Violines afinados de locura,tambores secos,lenguas en una plenitud de ritmos callan en tu silencio!Vas a romper en una música sin frenos;vas a decir palabras temblorosas como nidos colgantes en la mano del viento;a desnudar tu daga de caricias ya soltarme las fieles panteras de tus besos…Pero callas en hondos reflujos¡y otra vez el silencio, el gran silencio!
¡Ah, no me digas nada que rompa el sortilegio de tu mutismo: ni la frase antigua ni las canciones que ha mordido el tiempo! 
Ser buzo y descender hasta la gruta de tu silencio,donde se tuercen los corales rojos de las mordientes ansias y el deseo es una forma negra, tentacular, sin ruido, con cien ojos de acecho…¡Ah, no me digas nada, ni la palabra antigua ni las canciones que ha mordido el tiempo!
¡Silencio en las albercas de tus ojos,en tus caricias largas, en tus besos!                                                                                                                                                                    Que se duerma en tus labios una gran mariposa de silencio…

El silencio (Alfonsina Storni)


¿Nunca habéis inquirido por qué, mundo tras mundo,por el cielo profundo van pasando sin ruido?
Ellos, los que traspiranlas cosas absolutas,por sus azules rutassiempre callados giran.
Sólo el hombre, pequeño,cuyo humano latidoen la tierra, es un sueño.¡Sólo el hombre hace ruido!

Órbita (José Ángel Buesa)


Allí estaba el Silencio, de rodillas en un rincón de la luz. ¿Oraba? Un gesto le floreció las manos transparentes.
En sus ojos dos círculos de ausencia;se irisaba un perfume. Y en sus labios inmóviles dos pétalos de sombra,se ensortijaba un eco de rocío.
Allí estaba el Silencio. Sus cabellos luz crespa, sol de fibras, fronda de oro,le iluminaba el perfil exangüe.
Allí estaba el Silencio. Allí, sin sombra en la luz. Fue un instante.Y ascendía su mirada una ráfaga de aroma.
Allí estaba el Silencio. Fue un instante…

Pedro Calderón de la Barca, expresó con maestría su concepción del silencio en su obra La vida es sueño: “Cuando tan torpe la razón se halla, mejor habla, señor, quien mejor calla”. Y no es simplemente quien calla, sino quien mejor calla, se podría concluir.También la escritora brasileña de origen ucraniano Clarice Lispector, aportó una interesante y enriquecedora explicación: «La respiración continua del mundo es aquello que oímos y llamamos silencio.»

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El último verso de Antonio Machado

Palabras, pensamientos, sentimientos y el último verso de Antonio Machado

«Estos días azules y este sol de la infancia»

El último verso de Antonio MachadoLos días fríos y ventosos de aquel enero, transcurrían llevando mucho dolor y pena a la España convulsionada del año 1939. No era un invierno más. El gobierno de la Segunda República acababa de ser derrotado y el horror infame de la guerra civil, habiendo cobrado ya innumerables víctimas, comenzaba a arrastrar a miles de republicanos vencidos en la contienda, hacia un abismo infernal en la búsqueda desesperada de alguna vía de escape, que les evitara mayor sufrimiento o incluso la muerte.

Atrás quedaban las anónimas fosas comunes, los antiguos compañeros que compartieron lucha e ideales y millones de compatriotas desesperanzados y sumidos en la miseria. Hacia adelante se avizoraban, inexorablemente, un camino difícil y un viaje lastimoso que llevaba al destierro. El exilio y el desarraigo eran entonces, el destino obligado de quienes habían perdido todo en la vida.

Antonio Machado, aquel hombre, aquel genial poeta que abordó tantas veces en sus letras el concepto y la definición de una España muy distinta a la que la realidad mostraba; integraba en compañía de su madre anciana y de su hermano José, esa inmensa caravana fugitiva que, habiendo partido de Barcelona ante la inminente ocupación de la ciudad, buscaba pasar a tierra francesa bajo el hostigamiento permanente de la aviación alemana al servicio de Francisco Franco.

Por fortuna para él y los familiares que lo acompañaban, a fines de enero de ese caótico 1939, superando incontables adversidades, perdiendo los equipajes en el trayecto, durmiendo en un vagón de tren estacionado en una vía muerta; lograron finalmente llegar al pequeño pueblo costero de Collioure, al sur de Francia. El grupo encontró albergue el día 28 de enero en el Hotel Bougnol-Quintana, propiedad de gente amiga, quedando allí a la espera de una ayuda que nunca llegaría.

Hospedado en la habitación del hotel que sería su última morada, el eximio poeta a sus 63 años, se sentía cansado, debilitada su salud por afecciones pulmonares derivadas de su excesiva adicción al tabaco y acosado por los recuerdos y las noticias que recibía acerca de la crítica situación en su terruño. Tenía ante sí un panorama desolador que ensombrecía sus ojos y deterioraba día a día su espíritu, sentía que su alma fatigada no podría sobrevivir a la pérdida de la España de sus afectos invalorables, ni sobreponerse a la angustia del destierro. Presentía claramente que se aproximaba el final de su vida, y pensaba «Cuando ya no hay porvenir, por estar cerrado el horizonte a toda esperanza, es ya la muerte lo que llega».

Todavía no había transcurrido un mes de estadía en tierra francesa, cuando un día Antonio Machado abstraído, inmerso en una profunda tristeza, salió a caminar y se detuvo un largo rato observando el mar con resignada melancolía. Regresó al hotel pensativo y al día siguiente, a las tres y media de la tarde de un 22 de febrero de 1939, miércoles de ceniza; su corazón cansado exhaló un último suspiro y le sobrevino la muerte tan inevitable como piadosa. Todos los habitantes del pueblo se sintieron conmovidos y la mayoría participó respetuosamente del entierro. Seis milicianos, envolviendo el féretro con la bandera de la República española, lo llevaron en hombros hasta el cementerio.

Revisando sus pertenencias, su hermano José encontró en un bolsillo del viejo y desgastado abrigo del poeta, un papel arrugado y maltrecho con tres anotaciones escritas a lápiz: La primera reproducía en inglés las palabras con las que comienza la primera frase del soliloquio del personaje principal de Hamlet, “To be, or not to be, that is the question” («Ser o no ser, ésa es la cuestión”), la segunda anotación modificaba una de las cuartetas a Guiomar, su gran y secreto amor.

Y por último, resumiendo una vívida nostalgia en medio de tanta desazón e incertidumbre, el último verso que escribiera en su vida, expresando en un solo renglón pocas y conmovedoras palabras: “Estos días azules y este sol de la infancia…” quizá, como malogrado comienzo de un poema que quedaría definitiva e irremediablemente inconcluso.

En esa anotación, no pudo ser casual su referencia a la niñez tan frecuentemente rememorada en su obra literaria, en la que abundan bellísimos y enigmáticos poemas dedicados a la infancia.

¿Cómo no evocar el lirismo vigente eternamente en los versos de «Retrato»? …«Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla, y un huerto claro donde madura el limonero…»

Cómo no recordarlo además, a través de estos otros poemas inolvidables:

Sol de invierno

Es mediodía. Un parque.
Invierno. Blancas sendas;
simétricos montículos
y ramas esqueléticas.
Bajo el invernadero,
naranjos en maceta,
y en su tonel, pintado
de verde, la palmera.
Un viejecillo dice,
para su capa vieja:
«¡El sol, esta hermosura
de sol!…» Los niños juegan.
El agua de la fuente
resbala, corre y sueña
lamiendo, casi muda,
la verdinosa piedra.

Recuerdo infantil

Una tarde parda y fría
de invierno. Los colegiales
estudian. Monotonía
de lluvia tras los cristales.
Es la clase. En un cartel
se representa a Caín
fugitivo, y muerto Abel,
junto a una mancha carmín.

Con timbre sonoro y hueco
truena el maestro, un anciano
mal vestido, enjuto y seco,
que lleva un libro en la mano.
Y todo el coro infantil
va cantando la lección:
«mil veces ciento, cien mil;
mil veces mil, un millón.»

Una tarde parda y fría
de invierno. Los colegiales
estudian. Monotonía
de la lluvia en los cristales

Su nombre completo era Antonio Cipriano José María Machado Ruiz, admirador de Bécquer, al que llamó «poeta lírico, sin retórica». Fue un hombre íntegro, muchas veces imbuido por el escepticismo y el desengaño pero siempre persiguiendo una actitud de paz.

Sus fuentes de inspiración fueron el romanticismo, el amor, el dolor, la guerra, la paz, la miseria, la fugacidad de la existencia y su eterna preocupación por la querida España.

También se hermano José relataría tiempo después, que su madre, Ana Ruiz Hernández, saliendo por unos instantes del estado de inconsciencia producido por su enfermedad y las penurias del viaje, y al ver vacía la cama de su hijo junto a la suya, preguntó por Antonio con ansiedad. No creyó las compasivas mentiras que le dijeron como respuesta y comenzó a llorar sin consuelo. Tres días después, el 25 de febrero, fallecía cumpliendo involuntariamente la promesa que formulara en voz alta en Rocafort, en la casa que les sirviera de refugio durante la guerra fraticida, «Estoy dispuesta a vivir tanto como mi hijo Antonio».

Alguna vez, Antonio Machado escribió en una cita que desnudaba sus sentimientos más íntimos: «Hoy es siempre todavía, toda la vida es ahora. Y ahora, ahora es el momento de cumplir las promesas que nos hicimos. Porque ayer no lo hicimos, porque mañana es tarde. Ahora.»

Tal vez por eso, su entrañable amigo Miguel de Unamuno lo describió así: «Antonio Machado fue el hombre más descuidado de cuerpo y más limpio de alma de cuantos yo haya conocido».

Para conocer más:

La historia del matrimonio de Antonio Machado está descripta en todas sus biografías. En 1907, trabajando en Soria como catedrático de Francés conoció a Leonor Izquierdo adolescente y se casó con ella cuando la jovencita aún no cumplía sus 16 años; poco tiempo después, en 1912, ella enferma y muere de tuberculosis, tragedia esta, que acentuó la melancolía y la tendencia a la soledad del poeta. En ese mismo año publica «Campos de Castilla», donde manifiesta su inmenso dolor a través de versos conmovedores: «Señor ya me arrancaste lo que yo más quería… / Señor, ya estamos solos mi corazón y el mar».

En su edad madura Machado conoció a Pilar de Valderrama Alday, una poetisa y dramaturga madrileña, 16 años menor, que arrastraba un matrimonio conflictivo. Pilar se convertiría en la «Guiomar» de sus versos y en el gran amor de su vida.

Cuando se publicaron de manera póstuma las memorias de la poetisa en el libro «Si, soy Guiomar», aparecieron incluidas muchas de las cartas, que dan por cierta la íntima y apasionada relación que había tenido con el extraordinario poeta sevillano.

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Bertolt Brecht – Idealista, comprometido y genial

Semblanza de Bertolt Brecht – El arte poético de un escritor idealista, comprometido y genial

Bertolt BrechtEugen Berthold (Bertolt) Friedrich Brecht, mejor conocido como Bertolt Brecht, considerado en el universo literario, uno de los poetas y dramaturgos más destacados, innovadores e influyentes del siglo XX, logró reflejar en sus textos, empapados del inconformismo que caracterizó toda su obra, un compromiso político inquebrantable y una crítica sin concesiones a las formas de vida, la ideología, las estructuras jerárquicas y la concepción artística, de la burguesía dominante en la sociedad del tiempo histórico en el que vivió.

Este destacado escritor alemán nació el 10 de febrero de 1898, en el seno de una familia acomodada residente en Augsburgo (Baviera). Desde muy pequeño se sintió atraído por las letras, vocación que lo llevaría a publicar su primera obra teatral titulada «Baal» antes de cumplir sus veinte años. Cursó estudios de Literatura y Filosofía en Munich, intentando posteriormente añadir Medicina, carrera que finalmente dejaría inconclusa.

Rebelde, de fuerte carácter independiente y dispuesto a vivir intensamente sin condicionamientos, buscó en el arte la forma de entender, descifrar y explicar la realidad y encontró en la literatura una herramienta adecuada para intentar cambiar esa realidad social que tanto le atormentaba.

Reconocido en forma unánime como el creador del llamado teatro épico (o teatro dialéctico), donde el objetivo era lograr la reflexión y la toma de conciencia por parte del espectador, poniendo de relieve al mismo tiempo, la necesidad humana de felicidad como base imprescindible para la vida.

Autor prestigioso, poseedor de un estilo definido por una prosa breve y didáctica y de una poesía cristalina y viva, gracias a la cual ha logrado trascender y convertirse en una lectura indispensable para aquellos amantes del arte lírico y sobre todo de la poesía social.

De su inspiración y talento poético surgieron estos escritos:

La piel

La piel, de no rozarla con otra piel, se va agrietando.
Los labios, de no tocarlos con otros labios, se van secando.
Los ojos, de no mirarse con otros ojos, se van cerrando.
El cuerpo, de no sentir cerca otro cuerpo, se va olvidando.
El alma, de no entregarla con toda el alma, se va muriendo.

La cuerda cortada

La cuerda cortada puede volver a anudarse,
Puede aguantar, pero está cortada.
Quizá volvamos a tropezar,
pero allí, donde me abandonaste,
no volverás a encontrarme.

Hay hombres que luchan un día

Hay hombres que luchan un día, y son buenos.
Hay otros que luchan un año, y son mejores.
Están aquellos que luchan muchos años
y son muy buenos.
Por último, los hay que luchan toda la vida;
estos son los imprescindibles.

Fue un prototipo del intelectual revolucionario que en una temprana juventud había adherido al marxismo y que en 1933, cuando los nazis llegaron al poder, se vio obligado a abandonar su patria. Muchos de sus libros fueron quemados por fanáticos partidarios del nacionalsocialismo, que comenzaba a incendiar el continente europeo convirtiéndolo en un infierno aterrador.

En su poema «Alemania» escribió el célebre autor:

«¡Oh Alemania, pálida madre! Entre los pueblos te sientas cubierta de lodo.
Entre los pueblos marcados por la infamia tú sobresales.
(…) ¡Oh Alemania, pálida madre! ¿Qué han hecho tus hijos de ti
para que, entre todos los pueblos, provoques la risa o el espanto?»

«…Hablen otros de su vergüenza. Yo hablo de la mía.»

Después, como desesperanzada disculpa, Bertolt Brecht expresaba en otro poema:

«A los que vendrán después»

Realmente vivo en tiempos sombríos.
La inocencia es locura. Una frente sin arrugas
denota insensibilidad. El que ríe,
es porque todavía no ha oído la terrible noticia.

¡Qué tiempos son estos, en que
hablar sobre árboles es casi un crimen
porque implica silenciar tanta injusticia!
Ese, que cruza tranquilamente la calle,
¿será encontrado cuando los amigos
necesiten su ayuda?

Es verdad que todavía me gano el sustento,
pero creedme: es por casualidad.
Nada de lo que hago justifica
que yo pueda comer hasta hartarme.
Las cosas todavía me van bien

(si la suerte me abandonase, estaría perdido).

Me dicen: “Come, bebe, alégrate por lo que tienes!
Pero… ¿cómo puedo comer y beber
si estoy arrebatando al hambriento su comida,
y mi vaso de agua le falta al sediento?
Y sin embargo continúo comiendo y bebiendo.

Me gustaría también ser sabio.
Los libros antiguos nos hablan de la sabiduría:
consiste en apartarse de los problemas del mundo
y, sin temores, dejar que transcurra tranquilamente
el tiempo de nuestra breve vida en la tierra,
pagar el mal con el bien,
no satisfacer nuestros deseos, sino desecharlos.
He aquí lo que llaman sabiduría.
Pero yo no consigo hacer tales cosas.
Verdaderamente vivo en tiempos sombríos.

Llegué a las ciudades en tiempos conflictivos
cuando reinaba el hambre,
me mezclé entre los hombres en época turbulenta
y me rebelé con ellos.
Así fue transcurriendo el tiempo
que me fue concedido en la tierra.

Comí mi pan en medio de batallas,
dormía entre asesinos,
traté despreocupadamente los asuntos amorosos,
y fui impaciente con la naturaleza.
Así fue transcurriendo el tiempo
que me fue concedido en la tierra.

En mi época todos los caminos conducían al fango,
mis palabras me traicionaban ante el verdugo,
yo era poca cosa. Pero pienso que los gobernantes
se sentían más seguros sin mí.
Así fue transcurriendo el tiempo
que me fue concedido en la tierra.

Nuestras fuerzas eran escasas, la meta
se hallaba distante
y aunque podía distinguirse claramente, me parecía
que yo tal vez no la alcanzaría.
Así fue transcurriendo el tiempo
que me fue concedido en la tierra.

Vosotros, que surgiréis del marasmo
en que nosotros nos hemos hundido,
acordaos también, cuando habléis de nuestras flaquezas,
de los tiempos sombríos de los que os habéis librado.
Cambiábamos más frecuentemente
de país que de zapatos, a través de las guerras de clases,
desesperados, porque reinaba la injusticia
y nadie se indignaba.

Bien sabemos que el odio contra la ruindad
deforma el rostro y la rabia contra la injusticia
enronquece la voz. ¡Ah!, nosotros,
que queríamos preparar el terreno para la bondad
no pudimos ser bondadosos!

Pero vosotros, cuando llegue el momento
en que el hombre sea bueno para el hombre,
¡acordaos de nosotros con comprensión!

El 28 de febrero de 1933, un día después de la quema del Parlamento (Reichstag) alemán, hecho cuya responsabilidad sigue siendo un tema de permanente debate e investigación, pero que es considerado fundamental para el establecimiento del Tercer Reich de la Alemania nazi; Bertolt Brecht emprendió un largo y difícil camino hacia el exilio en Svendborg (Dinamarca). Con el transcurrir de los meses su situación se vio agravada por el inicio y desarrollo de la Segunda Guerra Mundial y debió peregrinar durante años a través de varios países, hasta establecerse en los Estados Unidos en 1941. Finalizada la contienda, sus opiniones políticas y sociales lo transformaron en sospechoso para las autoridades estadounidenses, por lo que debió trasladarse a la República Democrática Alemana, estableciéndose en Berlín. Allí fundó la compañía de teatro «Berliner Ensemble», en un intento concreto de materializar sus teorías teatrales.

Bertolt Brecht falleció de una trombosis coronaria en agosto de 1956, en la misma ciudad de Berlín (Berlín Este por entonces) donde la férrea hegemonía del comunismo soviético, había sembrado una semilla de escepticismo y decepción en la ideología del escritor. Dejó a la posteridad un estilo literario en el que siempre se encuentran entrelazados el fondo, las formas, la estética y los ideales enfocados hacia un contexto político e histórico. Hasta el fin de su vida sostuvo la tesis de que el teatro, podía contribuir a modificar para bien el mundo.

Su particular lenguaje, continúa ejerciendo marcada influencia hasta hoy en los cultores de la poesía social y del teatro moderno.

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Nanas de la cebolla – Miguel Hernández

Nanas de la cebolla – Versos que le cantan a la vida desde la tragedia – Miguel Hernández

Nanas de la cebolla Miguel HernándezLas luces del alba anunciaban el comienzo de otra jornada monótona y triste en la enfermería del Reformatorio de Adultos de Alicante donde el condenado Miguel Hernández era asistido. No obstante, un hecho inesperado alteraría la rutina del centro asistencial esa madrugada del 28 de marzo de 1942 haciéndola distinta; en plena juventud se apagaba la existencia de uno de los poetas y dramaturgos de mayor relevancia, que la literatura española haya aportado a la cultura del mundo.

Dotado de un talento innato que le permitía desarrollar al máximo sus pensamientos con pocas palabras precisas y exactas; fue el autor de una importante obra literaria de excepcional contenido y calidad estilística, fruto de una vocación inclaudicable sumada a su pasión por la lectura de los clásicos españoles del Siglo de Oro y de muchos grandes autores de las letras de todos los tiempos.

En uno de sus versos publicado en el poemario «Cancionero y romancero de ausencias», este poeta de humilde origen y pastor de cabras en su infancia, narraba: «Escribí en el arenal los tres nombres de la vida: vida, muerte, amor. Una ráfaga de mar, tantas claras veces ida, vino y los borró.»

Premonición, anticipo tal vez del durísimo y trágico destino que consumió su vida.

Legó a la posteridad poemas magistrales que hablan del amor, la muerte, la guerra y la injusticia, escritos con una fuerza expresiva deslumbrante y estremecedora.

Son versos de lectura imprescindible y entre ellos destaca uno especial para recordarlo, por la historia que lo inspiró, por el significado de cada estrofa, porque lo define como ser humano integro y por que se convirtió en un trágico y paradójico canto a la vida:

Nanas de la cebolla

La cebolla es escarcha cerrada y pobre.
Escarcha de tus días y de mis noches.
Hambre y cebolla, hielo negro y escarcha
grande y redonda.

En la cuna del hambre mi niño estaba.
Con sangre de cebolla se amamantaba.
Pero tu sangre, escarchada de azúcar,
cebolla y hambre.

Una mujer morena resuelta en luna
se derrama hilo a hilo sobre la cuna.
Ríete, niño, que te traigo la luna
cuando es preciso.

Alondra de mi casa, ríete mucho.
Es tu risa en tus ojos la luz del mundo.
Ríete tanto que mi alma al oírte
bata el espacio.

Tu risa me hace libre, me pone alas.
Soledades me quita, cárcel me arranca.
Boca que vuela, corazón que en tus labios
relampaguea.

Es tu risa la espada más victoriosa,
vencedor de las flores y las alondras
Rival del sol. Porvenir de mis huesos
y de mi amor.

La carne aleteante, súbito el párpado,
el vivir como nunca coloreado.
¡Cuánto jilguero se remonta, aletea,
desde tu cuerpo!

Desperté de ser niño: nunca despiertes.
Triste llevo la boca: ríete siempre.
Siempre en la cuna, defendiendo la risa
pluma por pluma.

Ser de vuelo tan alto, tan extendido,
que tu carne es el cielo recién nacido.
¡Si yo pudiera remontarme al origen
de tu carrera! que tu carne parece
cielo cernido.

Al octavo mes ríes con cinco azahares.
Con cinco diminutas ferocidades.
Con cinco dientes como cinco jazmines
adolescentes.

Frontera de los besos serán mañana,
cuando en la dentadura sientas un arma.
Sientas un fuego correr dientes abajo
buscando el centro.

Vuela niño en la doble luna del pecho:
él, triste de cebolla, tú, satisfecho.
No te derrumbes.
No sepas lo que pasa ni lo que ocurre.

Miguel Hernández compuso esta bella poesía, llamada Nanas de la cebolla, en la cárcel, inspirándose en la carta que su esposa y compañera Josefina Manresa le enviara contándole amargamente las penurias que estaba atravesando, al extremo de tener solamente pan y cebolla para alimentar a Manuel Miguel «Manolillo», el pequeño hijo de ambos, nacido a dos meses y medio de la muerte de su otro hijo, que apenas alcanzó a cumplir un año de edad.

Para responderle, devastado por la desesperación y la impotencia de no poder hacer nada para ayudar, Miguel le escribió una carta que comenzaba así: «Mi querida Josefina:…Esta semana, es martes y no ha llegado tu carta como las anteriores. También empiezo a escribir ésta para que me dé tiempo a echarla después, cuando el correo me traiga la tuya, que no creo que falte hoy. Estos días me los he pasado cavilando sobre tu situación, cada día más difícil. El olor de la cebolla que comes me llega hasta aquí, y mi niño se sentirá indignado de mamar y sacar zumo de cebolla en vez de leche. Para que lo consueles, te mando esas coplillas que le he hecho, ya que aquí no hay para mí otro quehacer que escribiros a vosotros y desesperarme…» (Madrid, 12 de septiembre de 1939)»

Josefina también le había enviado una foto del niño de la que su orgulloso padre comentaba: “No pasa un momento sin que lo mire y me ría, por muy serio que me encuentre, viendo esa risa tan hermosa. Esa risa suya es mi mejor compañía aquí y cuanto más la miro más encuentro que se parece a la tuya …”

La letra del poema es sublime y si leerlo conmueve, escucharlo en la interpretación que hace Joan Manuel Serrat con su privilegiada voz, desgarra y lastima cada pedacito del alma.

Y sirve para reflexionar. Cuando las diferencias entre los seres humanos se resuelven con el frío insensible y mortal de las armas y la insensatez de una guerra, descendemos hasta arrastrarnos por todas las miserias imaginables, de las que solamente se puede escapar tomando conciencia y valorando en toda su magnitud los postulados de la paz.

Aunque muchas veces nos parezca un ideal imposible de alcanzar.

Para conocer más:

Miguel Hernández Gilabert, nacido el 30 de octubre de 1910, tuvo una difícil vida de pobreza y privaciones; convertido en pastor de cabras y ovejas desde una temprana infancia por la necesidad de ayudar a su padre, no le quedaba tiempo para asistir a la escuela. Recibió en consecuencia una escasa instrucción aunque en sus momentos libres leía fervorosamente cuanto podía y además, escribía poemas. Su formación posterior fue autodidacta, aprendiendo las bases de la buena literatura guiado por las obras de maestros como Paul Verlaine, Miguel de Cervantes, Pedro Calderón de la Barca y Luis de Góngora.

En el año 1937 contrajo matrimonio con Josefina Manresa. Afiliado al Partido Comunista Español, durante la Guerra Civil se alistó en el ejército republicano y fue uno de los asistentes al Congreso internacional de intelectuales antifascistas de 1937 en Valencia. Terminada la contienda fue detenido en la frontera al intentar escapar para refugiarse en Portugal. En un juicio sumarísimo fue condenado a la pena de muerte, pero esta sentencia fue conmutada más tarde por la de treinta años de prisión.

Estuvo en la cárcel de Palencia en septiembre de 1940 y tras un largo peregrinar por varios lugares de detención, en 1941 fue trasladado al Reformatorio de Adultos de Alicante. Allí enfermó de bronquitis complicada con tifus; el transcurrir de los días y las duras condiciones de vida en el presidio fueron agravando su estado, hasta que finalmente, a los 31 años de edad, la tuberculosis acabó con su vida.

En la prisión de Conde de Toreno conoció al dramaturgo y pintor Antonio Buero Vallejo quien le hizo el famoso retrato, conservado hoy por sus familiares.

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